Trött på att bli kuraterad av kritiker, teoretiker och andra nästan arkitektoniska människor, biennalen 10 år efter att Massimiliano Fuksas åter anförtrott sig själv i händerna på en arkitekt. Kazuyo Sejima är en berömd japansk arkitekt, en av grundarna av arkitektbyrån SANAA, författaren till byggnaderna i flera stora museer, inklusive New Museum i New York, liksom Serpentine Gallery Pavilion 2009, vinnare av 2004 Golden Lion, som fick Pritzkerpriset strax efter sin utnämning till curator för biennalen. Hon är också den första kvinnliga kurator i utställningens historia. Men det viktigaste, enligt biennaldirektören, Paolo Baratta, är att hon är en praktiserande arkitekt. Sejima upprepar detta i sitt kuratoriska meddelande, som börjar med "2010-biennalen kommer att vara en reflektion över arkitektur."
I motsats till det förbryllande mottoet "bortom byggandet" av sin föregångare, curator Aaron Betsky 2008, som hälften av deltagarna inte riktigt kunde förstå, och den andra hälften ignorerade, föreslog Kazuyo Sejima i år en enkel och tillgänglig slogan: "Människor möts i arkitektur "vilket inte är särskilt bindande. Det är uppenbart att två saker är förenade i den - arkitektur, till vilken Biennalen uppenbarligen på allvar tänker återvända, och dessutom till arkitekturen en slags subtil sociologisk anteckning, för en förändring. Det är trots allt omöjligt att fullständigt absolutisera utställningens huvudämne; något bör läggas till den. Arkitektur för något, men de bygger till exempel så att människor möts där. Härifrån är en direkt väg till de offentliga byggnaderna som pryder kuratorns portfölj så bra. Förutom mottot beskrev Sejima flera ytterligare betydelser: utställningens fokus är den moderna arkitekturens reaktion på de förändringar som uppstod under 2000-talet, mot informatisering och globalisering; de gränser som arkitekturen antingen betecknar eller raderar; och kvaliteten på den byggda arkitekturen - tillägger Paolo Baratta i sitt meddelande. Efter en lång sökning efter sanningen "på sidan" kommer världens största arkitektoniska utställning (och Venedigbiennalen naturligtvis sådan) att återvända till sitt huvudämne, styrd av en mjuk och diskret kvinnas hand. Kuratorutställningen har totalt 48 deltagare, inklusive inte bara arkitekter utan även ingenjörsföretag.
När det gäller den huvudsakliga kuratoriska utläggningen, som vid biennalen alltid hålls i Corderie Arsenal-byggnaden, förklarade Sejima deltagarnas frihet och sade i manifestet att varje deltagare kommer att vara "sin egen kurator" inom det "oberoende" fragmentet av arsenalet inredning tilldelad honom. Mångfald är bättre än enande vilja, säger kuratorn; med ett ord, gör vad du vill … Fullständig frihet; även om du går igenom utställningen förstår du att detta inte är helt sant.
En besökare som kommer in i den första salen i kuratorns del av Biennalen hälsas av ett jätte stenhjärta skuret av en träyxa - yxan, vid närmare granskning, visar sig vara en fristad med en skorsten som går upp, en metafor för tragedin av den senaste chilenska jordbävningen (en detaljerad berättelse om återhämtning efter katastrofen kan hittas längre, om rymdens utställning av den chilenska paviljongen). För två år sedan öppnades Arsenal-utställningen med en rolig film- och videoinstallation; till skillnad från minnet om henne är stenhjärtat mycket stort, grovt och grovt. Det här är ett slags gigantiskt objekt, bredvid det känns det som i en kannibals grotta och oundvikligen allvarligt inställt. Pelaren i Arsenal börjar verka som pelare i en romansk basilika, och i allmänhet förvärras likheten mellan detta berömda utställningsutrymme och ett tempel. Det är möjligt att detta är vad som var avsett.
Strax bakom stenyxan finns en kompakt biosal med en film av Wim Wenders, som man snabbt kan gå igenom för att bekanta sig med ett ännu större ämne från Ensamble Studio och dess chef Anton García-Abril. Korsar under kolumneraderna och blockerar den raka vägen, vilar två gigantiska I-balkar i hallen, liknar skenor och bedömer efter deras grå färg, troligen betong. Den ena gigantiska strålen ligger på den andra och dess fria ände vilar på en fjäder så lång som en genomsnittlig man. Våren stödjer naturligtvis inte någonting, barn leker med det, men det ser väldigt imponerande ut. Detta kan inte kallas en "vår"; och om den allra första salen motsvarade storleken på det skulpturella föremålet som placerades där interiörens storlek, verkar den här vara för stor även för en arsenalinredning, överträffar och till och med undertrycker den lite.
Från en sådan progressiv tillväxt tänker du ofrivilligt - herregud, vad som händer härnäst. Men då befinner vi oss i ett moln ("livsstorlek" - som anges i kuratormanifestet), byggt gemensamt av den japanska arkitekten Tetsuo Kondo och ingenjör Matthias Schuler från det tyska företaget Transsolar, specialiserat på klimatteknik (med kännedom om företagets detaljer, det är lätt att gissa varför molnet; klimatreglering smög in i Arsenal och ordnade sitt eget väder i det …). Hallen är fylld med en vit dimma som pumpas genom hålen i väggen med speciella installationer. Dimman sprider sig på nivåerna med gallerierna och en spiralformad struktur byggs i mitten och klättrar längs vilken du kan gå igenom molnet och titta på den ovanifrån. Molnet sprider sig i skiktade strimlor, det är täppt ovanför, som i ett bad, men effekten är underbar. Det är sant att moskoviterna upplevde en liknande effekt så sent som i augusti när röken kom till staden; i Arsenal är dock detta moln tjockare, till synes säkert.
Kuratorn tolkar hans landsmän och en tysk ingenjörs gemensamma arbete på följande sätt: det driver oss till en ny förståelse av rymden, om bara för att molnets gränser är suddiga. Gränserna är faktiskt suddiga, även om de är inneslutna i hallen. Att dyka in i dimman är kul; men det är omöjligt att inte komma ihåg vad molnen redan har gjort - först och främst de berömda arkitektkonstnärerna Elizabeth Diller och Ricardo Scofidio. Kanske är det därför som kuratorn på ett delaktigt sätt noterar i sitt meddelande: inte alla installationer är original när det gäller stil, men många representerar toppen av modern teknik.
Den indiska studion Mumbai gjorde nästa stora hall med skrot av trämodeller och hängde klassiska trebladiga fläktar från taket och gjorde den till en "verkstad" - men för ett så stort utrymme räcker det fortfarande inte, en full- flyktig illusion av konstnärliga blockeringar uppstår inte; det visade sig, jämfört med de första installationerna, litet, men mysigt.
R & Sie (n), det parisiska arkitektföretaget François Roche och Stéphane Laveau, som visade vita modeller av bioniska skulpturbyggnader i den italienska paviljongen för två år sedan, släppte en av sina bisarra varelser i Arsenal-rummet och förvandlade det till ett bord på ben. Å ena sidan är detta martyrdjur täckt av glastillväxt, glödande med ett grönaktigt ljus, övervakar spira från motsatt ände, i mitten ovanför en bit av något flerfärgat pseudo-mineral, en enhet som liknar en Geiger-räknare. I förklaringen minns författarna Tarkovskys "Stalker" och pratar om gränserna för civilisationens prestationer - förmodligen borde denna installation svara på kuratorens tes om "gränser". Eftersom det, till skillnad från sina grannar, inte påverkar rymden på något sätt; snarare visar det oss en exotisk invånare som bor inuti.
Men hallen till Olafur Eliasson är mycket effektiv: i mörkret är tre slangar hängda från taket, som sprider sig runt de fantasifullt vridande vattenstrålarna, som kan urskiljas i de nervösa blinkningarna av stroboskopiskt ljus. Den exotiska duschen är fascinerande men svår att fotografera. Jag måste säga att Sejimas ord om att många bilder inte kommer att vara nya ärligt talat sanna - Eliasson gjorde den första liknande duschen 1996.
Vidare - återigen ljus, en träram av en platt kupol från en kinesisk byrå med det franska namnet Amator (vilket betyder amatör). Det var faktiskt som om amatörerna vridde dessa formar tillsammans med bultar; men själva förmågan att korsa kupolgränsen där det vanligtvis är omöjligt att korsa den och bokstavligen "komma in i kupolen" är ganska nyfiken (igen, gränser).
Till denna linje måste vi lägga till Jeanette Cardiff Music Hall, där högtalare placeras i en cirkel, och i mitten finns stolar för att lyssna på den resulterande (volymetriska? Arkitektoniska?) Musiken. Och satsen kommer att vara komplett. Här är bara en uppsättning av vad?
Den utlovade arkitekturen i den verkar vid första anblicken inte vara tillräcklig. Naturligtvis finns traditionella layouter och tabletter i en gemensam sekvens: det mest märkbara för ryska ögat är tävlingsprojektet i Perm Museum-byggnaden från Valerio Oljati, det mest märkbara för ögat i allmänhet är Taichung Opera projekt från Toyo Ito. Denna byggnad, som ser ut som ett litet fragment huggt från en mycket stor termitkulle (trots allt), presenteras med noggrann detalj och levereras med fullständig dokumentation som ligger på borden i form av tjocka album på författarens språk. Men projektet som visas så detaljerat är ett undantag och möjligen en konsekvens av den frihet som förklarats av kuratorn. Arsenals utställning bildas dessutom inte alltid av arkitekter, utan som vi ser av ingenjörer och, oftare, av artister som arbetar professionellt och bra inom denna genre. Till exempel Olafur Eliasson - i sin portfölj finns det många bra och olika, vanligtvis storskaliga installationer (det finns förresten flera "moln" där, Dealer och Scofidio är inte de enda i denna genre). Matthias Schuler är ingenjör. Det vill säga att kuratorutställningen i Arsenal inte på något sätt har blivit en utställning av arkitekter.
Detta betyder inte att det inte finns någon arkitektur i den. Eftersom Kazuo Sejima, som författare till museirum, förvandlade hela utställningen till arkitektur i sin helhet: hon designade den inte som designer och komponerade inte ens den som kurator utan byggde den och kombinerade det mesta av installationen i en kedja där varje deltagare erbjuder sitt eget sätt att konstnärligt förstå rymden i Arsenal. Således blev Arsenal själv huvudutställningen. Och jag måste säga att inställningen till detta utställningsutrymme är paradoxalt - alla älskar det väldigt mycket, men organisera utställningar i det, de ägnar lite uppmärksamhet åt det, helt enkelt att placera något inuti. Arsenal är förmodligen förolämpad av sådan förakt, ser dyster ut och pressar publiken med skala. Men han är bra i sig själv, och det är trevligt att den nya kuratorn märkte detta.
I det här fallet visar inte kuratoriska utställningen så mycket arkitektur som den är i sig själv. Och passagen genom utställningen blir inte läsning, inte kontemplation och inte tittande, utan - nedsänkning i arkitektur (så nedsänkt i ett främmande språk). Och deltagarna i utställningen, "förmodligen fria" konstnärer och ingenjörer, blev för Sejima medel för arkitektonisk förståelse av Arsenals utrymme. Vilket förresten är sant om vi kommer ihåg att arkitektur är huvudkonsten, och resten lydde en gång den. Här är en kurator från SANAA och dämpade dem alla, men väldigt, mycket diskret. Hon arrangerade inte utställningen i interiören utan fyllde utrymmet med innehåll. Det inre av Arsenalen, som om, gav henne tillbaka, gick med i rollen som "huvudutställningen" och blev trevligare. Hur som helst, nu vill jag titta på det och den långa passagen genom Arsenal den här gången är inte så tröttsam som för två år sedan.
Kanske beror det på det faktum att det har många tomrum och inte särskilt mycket innehåll - en solid form, och till och med den viktlösa, japanska-shinto: ljus, mörker (sammanflätade inuti som yin och yang), sten, moln, vatten, ljud … Du kan antagligen till och med säga att Sejima arrangerade ett antal reproduktioner av redan kända installationer i Arsenal, med hjälp av dem som ett sätt för en arkitekt att arbeta med svårfångade element, för att fånga den svårfångade, bländningen, skuggan - saker där japansk kultur är så stark. Det är värt att uppleva i Arsenal.
Som helhet och en reflektion över huvudelementen tas utställningen väl emot. Ord saknas dock lite; det finns viktiga sådana - som rymden och gränsen, som Sejima hela tiden talar om, även på gårdagens presskonferens. Alla andra ord samlas på "strikt utsedda platser"; Arsenal har ett intervjurum fyllt med stolar och bildskärmar med hörlurar - ordälskare kan njuta av tal där under mycket lång tid, högtalarlistan tar upp en hel vägg.
Kort sagt verkar kuratorutställningen i Arsenal vara rätt att uppfatta som ett annat SANAA-arkitektoniskt arbete.
Annars har utställningsstrukturen, som många känner till, förblivit oförändrad. Curatorial utställning i Arsenal, i den tidigare "paviljongen i Italien", döpt om till Palazzo Espozicione (utställningspalatset); utställningar av nationella paviljonger i Giardini och ett "parallellt program" i staden. Den nuvarande biennalen är till viss del ett jubileum - 35 år har gått sedan den första arkitektutställningen från Venedigs biennalscykel. Därav årsdagen händelser och minnen från tidigare biennaler. I Column Hall of the Palazzo Justinian (slottet där huvudkontoret för Biennalens organisationskommitté är beläget) öppnade en utställning igår om historien om de senaste 11 åren av Venedigbiennalen, en slags rapport om resultaten av den venetianska utställningsekonomin; det är också värd för LUMA-utställningen och presenterar Frank Gehrys”arkitekturprogram för en ny kulturell modell”.
En annan del av jubileumsprogrammet för Biennalen kommer att vara "Arkitektoniska lördagar" - som arrangörens pressmeddelande säger, under tre månader på lördagar i Venedig kommer det att hållas möten med viktiga figurer från tidigare utställningar, inklusive curatorerna för de tidigare biennalerna Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Vi planerar att gradvis publicera mer detaljerade rapporter om utställningarna och evenemangen i Biennalen. Utställningen pågår till 21 november.
