Vid en presskonferens inför öppningen av Biennalen berömde dess president, Paolo Barrata, kurator Aaron Betsky för att ha föreslagit det svårförståliga mottot "Out there" för den arkitektoniska utställningen som nu äger rum i Venedig - den mest representativa arkitekturen utställning i världen. Arkitektur bortom byggnaden. Enligt Barrata är detta ämne mångfacetterat, meningsfullt och fruktbart. Det framkallar kreativa sökningar och därför är den nuvarande arkitektoniska biennalen kanske den bästa de senaste tio åren. Curator Aaron Betsky accepterade komplimangen positivt - varefter han var tvungen att svara på journalisters frågor under lång tid och förklarade att han faktiskt älskar byggnader och inte tänkte förvandla den arkitektoniska biennalen till en gren av Biennalen för samtida konst, och också att han inte alls är utopisk, inte svävar i molnen och drömmar går i uppfyllelse.
Så det ämne som Betsky ställt i termer av tvetydighet verkar ha överträffat alla tidigare utställningar. Dessutom kan den översättas på olika sätt - antingen "utanför" eller "före" eller "över". Ett annat ord 'bortom', nu klistrat över hela Venedig (särskilt mycket i den italienska paviljongen) översätts som "efterlivet". Detta upprepar oväntat det faktum att kuratorn för biennalen har definierat byggnader som "arkitekturgravar" - enligt hans åsikt är arkitektur ett sätt att tänka på byggnader och när de byggs dör den. I Venedig, en museumstad som tyst sjunker under vattnet, låter detta särskilt pacifying och, villy-nilly, får dig att komma ihåg den ryska staden Kitezh.
Emellertid måste curatorns uppgift förstås precis tvärtom - han ville naturligtvis inte döda arkitekturen utan att återuppliva den (och utställningen) på vanligt sätt - genom att gå utanför ramarna för själva arkitektoniska världen. på jakt efter förnyelse. Aaron Betsky uppmuntrade biennaldeltagarna att experimentera och vända sig till områdena bio, konst, design, landskapsarkitektur och performance. Experiment, sade han, kan ta formen av tillfälliga strukturer, liksom bilder som "ibland är dunkla".
Det senare verkar vara en viktig del av Betskys koncept. Osäkerhet är kaos, och ur kaos ska något nytt fötas. Antag att varje kritikers och teoretikers huvuddröm inte bara är att beskriva den observerade processen utan också att påverka den. När detta händer uppstår mycket kraftfulla, teoretiskt grundade trender i konsten. När vi återvänder till arkitektur är det lätt att märka att efter entusiasmen för framväxten av icke-linjär arkitektur de senaste åren har inget speciellt hänt i den, stagnation beskrivs. Biennalen är den mest inflytelserika arkitektutställningen, och det är inte förvånande att det var med sin hjälp som Betsky gjorde sitt försök att "väcka" modern arkitektur, för att skapa kaos, från vilket något nytt förväntas komma fram. Kaos kan emellertid vara annorlunda - produktivt och destruktivt, kaos av generation och förstörelse (ibland utvecklas dock en till en annan). Kaos kan också vara naturligt, härstammar från naturliga orsaker, och ibland är det artificiellt, och det verkar som om det kaos som kuratorn försökte skapa på sin biennale bara är artificiellt. Men oavsett om han är produktiv eller inte - det kommer bara att vara möjligt med tiden att förstå. Om det här sättet om tio år kommer att kallas denna biennale som en milstolpe - då var idén utan tvekan en framgång. Om inte, misslyckades det.
Under tiden kan vi bara styras av känslor. Den italienska paviljongen, helt tillägnad experimentell arkitektur, ger intrycket av ett tråkigt kaos. Det finns många utställningar (55), mättade med texter och små bilder, som ibland blandas med modeller och installationer - tillsammans smälter allt detta samman till en massa som är svår att uppfatta också för att texterna är mycket mystiska på platser - uppenbarligen för för att uppnå de mycket "ibland tvetydigheter." För att späda ut mångfalden av ungdomsexperiment, liksom för att visa hur exakt man bör experimentera, placerades hallarna av vördnadsfulla "stjärnor" med underrubriken "Experiment Masters". I en av dem finns en målning av Zaha Hadid, som verkligen liknar 20-talets avantgarde, men bara lite mer prydnadsfull och därmed vacker - även om det bredvid dessa målningar på något sätt görs en matta enligt hennes motiv ser för passande ut på golvet. I den andra finns det doodles av Frank Gehry, som fick Golden Lion i år för sin”livsbidrag”. Doodles - översatt som "klottrar", det som ritas ofrivilligt, men i det här fallet också det som är gjutet, vikat, skrynkligt med varierande grad av ofrivillighet - prototyper av Gehrys arkitektur - som alltså är födda ur klotter. Men det mest märkbara av allt är installationen av Herzog & De Meuron, gjord i samarbete med den kinesiska konstnären Ai Weiwei: den rymliga hallen vid ingången till paviljongen är helt ockuperad av en struktur av långa bambustänger, till vilka är fäst bambu stolar och hänger därmed i luften. Det blev ganska luftigt och väldigt mystiskt.
Utställningen i Arsenal, där Betsky placerade installationer av kändisarna som han bjöd in, skapar en känsla av kaos, inte tråkig alls, men kraftfull, mycket uttrycksfull, dyster och skrämmande. Kanske beror det på att själva Corderi-utrymmet är stort och mörkt, de tjocka runda kolumnerna liknar en grovtillverkad romansk katedral, men Corderi är längre än katedralen och bytet av hallar vid någon tidpunkt verkar oändligt. Och installationerna är stora, de är inskrivna i stor skala i detta utrymme och lånar från det skalan och omfattningen.”Stjärnorna” bjöds inte in förgäves, alla arbetade professionellt, installationerna är solida, igenkännliga och ljusa - Corderi förvandlades till en serie bilder - till en utställningsattraktion. Detta är bra för utställningen, men inte särskilt bra för curatorns avsikt, för bland manifesten för den nuvarande biennalen blinkade tanken att arkitekturattraktion inte är särskilt bra, och arkitektur bör tänka på hur man får oss att känna att vi befinner oss i denna värld "som hemma". Denna idé - om "att vara hemma" - upprepas många gånger i Betskys texter och verkar vara en av de viktigaste. Men stjärninstallationer framkallar inte på något sätt "hemkänslor" utan genererar snarare ångest.
Ett annat problem är erkännande. En gång i Arsenal experimenterade inte stjärnorna med att söka efter vaga bilder på något nytt eller annat, utan tvärtom - var och en visade att han kan. Bilderna kan vara vaga någonstans, men deras betydelse verkar på något sätt densamma - allt detta är en sammanfattning av kreativa begrepp, resultatet, inte början, det förflutna, inte framtiden. Frank Gehry är mycket igenkännlig: han byggde ett fragment av fasaden, liknande Bilbao, av trä och lera. Konkava ytor täcks gradvis med lera, det torkar och spricker. Detta görs långsamt, i slutet av Biennalen i november kommer hela”fasaden” att täckas med lera: så har installationen prestandafunktioner, som är dynamiska, men utseendet vänds fortfarande tillbaka - när man tittar på denna prestanda, du kommer ihåg Bilbao och allt verkar stort och ett spektakulärt utställningsställ som är utformat för att visa upp den mest synliga delen av Gehrys portfölj. Samma sak händer med Zaha Hadid - hon installerade sin nästa flytande form i Arsenal, som det står i förklaringen att hon är prototypen på möbler. Men Zaha Hadid har designat sådana osannolika möbler under lång tid. Ett liknande objekt installerades av Zaha inuti Villa Foscari för att hedra Andrea Palladios 500-årsjubileum; men vad är intressant - inuti Palladio eller i Arsenal - mycket liknande saker, så vad är poängen? Greg Lynn lade till lite humor - att tillverka möbler också, men från "återvunna leksaker". Leksakerna visade sig vara ljusa skulpturer, som jag måste säga tog minst plats - för dem tilldelade juryn "Golden Lion".
Förutom ovanstående finns det många imponerande bilder i Arsenal. Den spetsiga spindelnätinstallationen av Matthew Ritchie och Aranda Lush "Evening Line" ser vacker ut. Den består helt av prydnad - delvis huggen av metall, delvis består av skuggor och videoprojektion, inskrivna i ett metallmönster på väggen. Vad detta betyder är oklart (vad var målet?), Men det ser frestande och relevant ut - nu älskar arkitekter ornament. Unstudio placerade i Corderi ett omfattande föremål i storlek på ett litet rum, böjt som en Mobius-remsa - det här objektet är anmärkningsvärt för det faktum att det kan matas in inne. Föremålet för familjen Fuchsas, tvärtom, skisseras av en gul linje som rekommenderas att inte korsas (som ingen observerar): det här är två jättegröna skåpbilar med små fönster genom vilka du kan se vardagliga scener i stereo filmformat. Dealern och Scorfidio uppförde sig mycket enkelt - deras installation jämför videorna med två Venedig - en riktig och en leksakamerikaner från Las Vegas. Det är oklart hur detta avslöjar Betsky-temat, men i Venedig ser det bra ut och stolarna är ständigt ockuperade. Barkow Leibinger byggde en "nomadisk trädgård" av laserskurna metallrör - på grund av materialets homogenitet och lösningen är det enligt min mening en av de anmärkningsvärda installationerna i Arsenal. Men Philip Rahm uppmärksammade sin installation av det faktum att det under de första dagarna av utställningen (jag vet inte hur senare) var två nakna personer som låg där och bredvid dem spelade fyra hiphisk klädda personer någon form av gitarrmusik: projektet är tillägnad global uppvärmning, men det är här som följer? Av nakenhet?
Så den del av utställningen, som är utformad för att svara på curatorns samtal, består av 55 små utställningar i den italienska paviljongen och 23 stora installationer i Arsenal. Sammantaget kompletterar de ett försök att väcka arkitekter - från kommersiell praxis till "pappers" -fantasier - för förnyelsens skull, en vändning i allmänhet, födelsen av något nytt. Italiens paviljong representerar enligt kuratorn både det förflutna och framtiden för denna process: ungdomsutställningar - hopp för framtiden, retrospektiva utställningar av mästare - en slags lärobok om hur man experimenterar. Allt detta kompletteras av Bezkis artikel om modernistiska experiment efter kriget - dess ursprung kurator spårar till den politiska krisen 1968 och energikrisen 1973. Becki namnger namn, bygger en berättelse och inbjuder unga arkitekter att fortsätta den. Arsenal-utställningen, å andra sidan, gör samma uppmaning till experimenterande till vördnadsfulla mästare - i teorin bör hela arkitektursamhället som ett resultat involveras i processen att skapa "klottrar" - från vilka en ny tankeutbrott, en ny twist, skulle senare inträffa. Så vad händer? Ungdomsutställningen visade sig vara ytlig och övermättad (även om man, om så önskas, kan se intressanta saker i den) - och”stjärnan”, i stället för dynamik och nyhet, reproducerade”stjärnorna” egna tekniker. Impulsen att artificiellt injicera kreativt kaos i arkitekturen verkar ha misslyckats. Kanske för att det är konstgjort? Även om det - som redan har sagts - först efter tio år kommer det att bli klart om detta försök har fått åtminstone viss frukt och om det har lett till en vändning. Under tiden, när man tittar på exponeringen, verkar det osannolikt.
Men här är det konstiga. Det är oklart om Betsky väckte arkitekterna. Men de naturliga krafterna, måste man tänka, vaknade. Det var lätt att märka att biennalens invigningsceremoni, vars kurator i sitt manifest uppgav att det inte är det viktigaste i vår värld att skydda oss från regn, föll i en sådan regnskur som sällan händer i Venedig. På grund av detta regn måste öppningen flyttas från Giardini till Arsenal - och en massa våta och frysta journalister stod framför ingången. Men det skulle fortfarande vara ingenting. Så när allt kommer omkring argumenterar det för vikten av ekonomiska och andra problem för utvecklingen av konceptuellt tänkande, kurator för den nuvarande biennalen, uppenbarligen, inte bara regn utan också krisen. Krisen är uppenbar. Vi väntar på experiment.
Botanister och nomader
Under det att han tolkade sitt förvirrade ämne för allmänheten och deltagarna i biennalen talade kurator Aaron Betsky främst apofatiskt, det vill säga från motsatsen. Inte en byggnad, för det är en grav av mänskliga förhoppningar och naturresurser, inte en utopi eller en abstrakt lösning på sociala problem - utan bilder och gåtor att drömma om. Han efterlyste att gå utöver byggnad och arkitektur som en disciplin - och experimentera. Men han sa inte exakt vart han skulle gå och behöll det gåtfulla mysteriet.
Alla reagerade på detta mysterium på olika sätt, med film, design och möbler. Många kritiker ansåg Arkitekturbiennalen för lik Biennalen för samtida konst och förlorade därmed sin professionella specificitet. Efter att ha gått bortom ramen kan du inte bara vinna, men också förlora - detta är generellt sett en spännande men också farlig ockupation - att korsa gränser.
Det mest uppenbara sättet att svara på ämnet visade sig dock vara det enklaste: lämna bara byggnaden. Det vore nyfiken om utställningshallarna överhuvudtaget stod tomma och utställningarna krossades utanför, men biennalen nådde fortfarande inte en sådan grad av bokstav. Men när det gäller flykt från arkitektur till natur och konstruktion där, utanför, olika "tillfälliga strukturer", kunde arkitekterna vända sig till den rika upplevelsen av sovjetiska sommarboende - de flydde också från modernismens nedgång och, efter att ha rymt, satte de upp en grönsaks trädgård.
Den största grönsaksträdgården på Biennalen byggdes av Gustafsons. En del av den lianatäckta vilda vegetationen i Jungfrurnas trädgård, belägen vid kanten av Arsenal, på platsen för ett förstört benediktinerkloster - odlades av det brittisk-amerikanska projektet "genom paradiset" (mot paradiset). Kål, lök och dill (symboler för mättnad) är blandade med blommor, i mitten av kompositionen finns en kulle som böjer sig som en snigel, täckt med snyggt gräs. Örtsnigeln är tänkt att vara en plats att se, med sittdynor placerade på den, men på en regnig öppningsdag svävade bara vita bollar över den kuperade gräsmattan. Vidare, i det gamla kapellet (eller kyrkan?) Placeras ljus på hyllorna längs väggarna och de latinska namnen på försvunna djur och växter skrivs på väggarna (det finns en hel del). Det måste erkännas att detta landskapsprojekt är det mest ambitiösa på Biennalen. För hans skull huggade de till och med flera gamla träd, vilket inte är välkommet i Venedig.
Förresten passar temat paradis väl in i kuratoriet”där ute” och”bortom” - det finns inget mer världsligt än paradiset. Det avslöjas på sitt eget sätt i den tyska paviljongen: äpplen växer på grenar som fastnat i krukor, droppar med grön vätska är fästa vid grenarna. Huruvida frukterna själva växte på tunna sticklingar och hur detta uppnåddes förklaras inte, men den symboliska redogörelsen åtföljs av argumentet att människor som försöker skapa ett paradis på jorden för sig själva förstör hela ekosystem för detta teknogena paradis.. Äpplen under droppare borde antagligen representera ett konstgjordt paradis.
Japans paviljong är omgiven av blommor, inuti kortvariga strukturer som liknar konturerna av torn sammanflätade med grönska. Dessa är scheman över byggnader med flera våningar bebodda av vegetation - de visas också inuti paviljongen på väggarna med blyerts. Förutom ritningar finns det inget annat i paviljongen - den är helt vit, som ett slags pappersark tippat in i interiören. Många gillade denna lakoniska och kontemplativa paviljong på ett syntetiskt sätt.
Den amerikanska grönsaksgården är mindre och inte så djupgående, men social - den ägnar sig särskilt åt att uppfostra barn genom trädgårdsskötsel (denna typ av utbildning utövas nu i många kloster i vårt land). Amerikanerna gömde fasadens imperialistiska dorica bakom ett genomskinligt nät, satte upp en grönsaksträdgård framför kolonnaden och fyllde paviljongen med alla möjliga sociala projekt. En mycket allvarlig och mångsidig”ekotopedia”, en uppslagsverk om miljöproblem, används i den danska paviljongen.
Miljötema är också populärt bland experimentprojekt i den italienska paviljongen. Idéerna är emellertid mest bekanta: gröna städer, där det finns en skog nedan, och teknik och civilisation "på andra nivån" och gröna skyskrapor, av vilka man särskilt märks - Julien de Smedta, ett projekt som är avsett för kineserna staden Shenzhen, som ligger på fastlandet mittemot Hong Kong. Detta är en gigantisk skyskrapa, bebodd lika av människor och grönska, som enligt författarna bör ersätta de skogsklädda bergen som har försvunnit i detta område och blir ett stort konstgjordt berg. Oavsett vad vismannen från Cincinnati säger om fördelarna med vaga inspirationer, ser ett verkligt projekt mycket fördelaktigt ut mot deras bakgrund.
Ett annat sätt att fly från byggnaden är att gå till hyddan. Konstigt nog är han inte särskilt populär, men han är nära oss i andan. Den huvudsakliga "hyddan" i form av en yurt byggdes på vallen av Arsenal av Totan Kuzembaev och placerades i en liten bil. Poängen är att kombinera de nomadiska tillbehören från två kulturer - antika och moderna. Från den moderna civilisationen finns det i yurten olika tekniska tillbehör, mobiltelefoner, bärbara datorer, etc., som inte används för det avsedda syftet, utan som attribut för en shaman. För att överleva i den moderna världen - skriver Totan Kuzembaev i beskrivningen till "Nomad", måste du justera. Och då kommer antingen något nytt att uppstå, eller så kommer globalismen att svälja allt, vilket blir sorgligt - avslutar han.
Å andra sidan, mellan Arsenal och Gustafsons paradis, byggde kinesiska arkitekter flera olika hus - gjorda av lådor, plywood, hardboard - hus är stora, tre våningar, men inuti är det obekväma och trånga, som på ett tåg. Pergolahytten som byggdes av Nikolai Polissky på den ryska paviljongens terrass passar också i samma rad - en vacker struktur, men tyvärr inte särskilt märkbar på grund av att den ligger på sidan av lagunen.
Det finns också ett mer abstrakt sätt att lämna - till exempel från form till ljud och video. Här är en vacker och helt oarkitektonisk paviljong i Grekland, som består av interaktiva piedestaler med bildskärmar och hörlurar med stadens ljud. Det är mörkt med glödande plasttrådar hängande.
Och slutligen kan du komma bort från arkitekturen genom att tömma paviljongen - detta gjordes i paviljongen i Belgien, där färgglada konfetti är utspridda på golvet ("After the Party") eller i Tjeckoslovakien, där det finns roliga kylskåp med mat uppsättningar för olika karaktärer.
De flesta av deltagarna tolkade flitigt ämnet, men det finns också skrämmelser - de som, tvärtemot mottot, fortfarande visade byggnaderna. När allt kommer omkring behöver nationella paviljonger inte följa temat. Stor är den brittiska paviljongen, där en dyr, noggrant utformad utställning är tillägnad fem arkitekter som bygger bostäder i brittiska städer. Det visar sig att nu i Storbritannien - trädgårdsstadens hemland och nya typer av bostäder i början av 1900-talet - byggs allt mindre bostäder. Frankrikes paviljong är fylld med många modeller: var och en av dem placeras i en genomskinlig plastlåda och fästs på väggen med en rörlig konsol - du kan vrida modellerna medan du tittar på dem. Spaniens arkitektur visas också i detalj och traditionellt - med bilder och modeller. För första gången på många år inkluderar denna rad den ryska paviljongen, om vilken - lite senare.
Ryssar i Venedig
Det hände så att bland de människor jag kunde prata med i Venedig, bedömde journalister Aaron Betskys koncept mestadels positivt, medan arkitekter mestadels negativt. Det finns naturligtvis undantag, men i stort sett är det uppenbart - arkitekter kommer till Venedig för att titta på arkitektur, och dess nästan fullständiga frånvaro var inte den trevligaste överraskningen för dem.
I den ryska paviljongen hände allt tvärtom: det är inte vaga provinser som visas utan byggnader, många byggnader. Tidigare, när projekt och förverkliganden ställdes ut på Biennalen, arrangerades installationer i den ryska paviljongen, och nu, när det äntligen beslutades att visa verklig arkitektur, formulerade Aaron Betsky den motsatta”uppgiften”. Emellertid är temat inte obligatoriskt för den nationella paviljongen … Borde vi ha förkastat idén för första gången att visa en bit verklig rysk arkitektur och anpassa sig till mottot? Svårt att säga. Men strängt taget är det uppenbart att temat som Betsky satte för biennalen motsvarar situationen med en viss tristess och mättnad med "stjärnor" som har utvecklats i världens arkitektur. Och temat, som fastställts av kuratorn för den ryska paviljongen, Grigory Revzin, överensstämmer med situationen för konstruktionsboomen i Ryssland. Och utställningen representerar ganska exakt en ögonblicksbild av rysk arkitektur idag. Inklusive variationen och trängseln som kännetecknar den, den aktiva, vitala och inte särskilt kontrollerade tillväxten av olika byggnader.
Utställningen består av två delar. Den övre våningen är upptagen av moderna projekt och byggnader - den har tre hallar, en huvudbyggnad och två ytterligare. Designern Vlad Savinkin och Vladimir Kuzmin bestämde dem i tre olika färger: den första salen, som visar den elektroniska katalogen, är vit, den tredje salen - den innehåller utvecklare, är svart och den huvudsakliga centrala salen är röd. Golvet är fodrat med schackceller, de röda är byggnaderna för ryska arkitekter, de vita är modellerna gjorda efter designen av utlänningar som bygger i Ryssland. Enligt kuratorens idé, mellan modellerna för ryssar och utlänningar, sker ett villkorat schackspel - vilket förstärker temat för konkurrens mellan”lokala” och”främmande” arkitekter.
Den andra delen av utställningen är Nikolai Polisskys träkonstruktioner, ännu inte arkitektur, men som definierats av kuratorn för den ryska paviljongen Grigory Revzin, ett uttryck för drömmen om det ryska landskapet. Polisskys verk genomsyrar den ryska paviljongen - i hallen på första våningen bildar de en skog uttunnad av ljusfläckar. På samma plats, i nästa hall, visas Polisskys huvudverk och - videor - processen för deras skapande av styrkorna i ett välkoordinerat team av invånare i byn Nikolo-Lenivets. Baserat på första våningen fortsätter Polisskys strukturer att växa överallt - i form av en improviserad båge framför ingången, pergolaer på terrassen (så kallad 'bortom byggnaden') och till och med benen vid bordet i utvecklarens hall är gjorda av samma krokiga stammar.
Det måste erkännas att Nikolai Polisskys mönster skiljer sig markant från andra landskapsprojekt på Biennalen, och inte bara genom att de helt saknar "paradiset" i en trädgårdsträdgård, och materialet är vilt, naturligt, knappt rengjort. De är mycket närmare naturen än ekologiska projekt, som i själva verket tillhör i större utsträckning teknikens värld. Polisskys "skog" är lite vild och skrämmande, även om det saknar skala inuti paviljongen - det finns ingenstans att vända. Men du måste förstå att det här är en "export" -skog, en troll på turné. I Nikolo-Lenivets är Polisskys landskapsprojekt både större och viktigare.
I år deltog ryssarna i alla huvuddelarna i biennalen. Totan Kuzembaev, som nyligen vann andraplatsen i tävlingen om en bro över den venetianska Canal Grande, blev inbjuden av Aaron Betsky för att delta i den kuratoriska utställningen av Arsenal och byggde den redan nämnda yurten på gatan framför honom. Boris Bernasconi, som nyligen delade första platsen i den internationella tävlingen för Perm Art Museum med Valerio Olgiati, blev inbjuden att curata utställningen i den italienska paviljongen - och använde denna inbjudan för att slåss mot Norman Fosters Orange-projekt. Jag måste säga att Aaron Betsky vid sin presskonferens nämnde Bernasconis projekt separat och berömde det mycket i den meningen att den unga arkitekten vågade protestera mot Foster själv.
Efter att ha anlänt till Venedig blev Maternity Hospital-utställningen (kuraterad av Yuri Avvakumov och Yuri Grigoryan) till ett mycket vackert projekt. Utställningen visades för första gången i Moskva i VKHUTEMAS-galleriet, sedan i St. Petersburg. Jag måste säga att på biennalen visade sig utställningen, som uppfanns ett år tidigare, vara mycket användbar: den består av skulpturella embryon av arkitektur, tolkningar av temat födelse, producerade av arkitekter, bland vilka det finns många ryssar, men många utlänningar. Jag vågar till och med föreslå att här uttrycks Betskys huvudidé, om inte mer exakt, mer kortfattat än i Arsenal. Inrymt i den venetianska kyrkan San Stae har utställningen förändrats avsevärt: alla utställningar placerades i celler inuti väggarna i ett kartonghus med perforerade väggar. Denna byggnad jämförs med en kyrklig relikvie och samtidigt en krigsfödelse. Utställningens utveckling verkar vara väldigt logisk. Dessutom verkar det som om Venedig själv spelade en roll här - en stad där nästan varje vägg bär ett ikonfall med en skulpturell ikon. Från vad staden verkar vara helgad som helhet - en egenskap som redan har förlorats av andra europeiska städer - och till och med det brutala "Maternity Hospital" här blir en julkrubba. Venedig är en underbar stad.
