En utställning med arkitektonisk grafik”Endast Italien!” Är öppen för allmänheten i Tretyakov-galleriets teknikbyggnad. Hälften av utställningen består av saker från Sergei Tchoban-stiftelsens samling, hälften - teckningar från State Tretyakov Gallery, och några fler - arbetet med fyra samtida konstnärer-arkitekter: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov och Sergei Tchoban.
Utställningen är helt fantastisk av många anledningar. Först och främst är högkvalitativ arkitektonisk grafik ett material som disponerar sig själv. Att undersöka det från ark till ark, undersöka i detalj krullar, skuggor, personal, ordning är ett perfekt nöje.
Å andra sidan kan man inte säga att arkitekter ofta visas i Tretyakov Gallery. De visas nästan aldrig där. Och här - utställningen förenade inte bara saker från galleriets förråd, de som har liten chans att visas vid en annan tidpunkt, med ark från samlingen av Tchoban-fonden lagrad i Berlin. I mitten av allt, som skapelsens krona, är ritningarna av moderna arkitekter.
Utställningen av utställningen tillhör SPEECH-byrån och Sergei Tchoban, som arrangerade sina samtids verk (inklusive hans egna) i en liten rotundhall; i galleriet som omger honom visas grafik från 1900-talet; på avstånd, i ytterligare två rektangulära utrymmen, visas ark från 1700 - 1800-talet, uppdelade i två kvarter: "The Theme of a Theme" och "Rossika" (verk av utlänningar i Ryssland). Således avviker kronologin i cirklar i expositionens utrymme, eller, mer exakt, konvergerar från det förflutna till nutiden: något som cirklar på vattnet, bara tvärtom.
Det bör noteras att SPEECH ganska konsekvent utvecklar motivet för den runda hallen i sitt arbete med utställningsdesign: det räcker att komma ihåg utställningen "Museum of Graphics" på ArchMoscow 2013 (då Berlinmuseet för grafik ännu inte var öppet), eller två mönster av utställningen av den ryska paviljongen vid den venetianska arkitekturbiennalen: pittoresk diorama av staden Vyshny Volochok 2010 och "Pantheon" från QR-koder 2012, nyligen
återskapas i Zaryadye. Runda hallar är ganska sällsynta i utformningen av moderna utställningar - rotundautrymmet är inte särskilt bekvämt att ställa ut, eftersom det tenderar att överväldiga utställningar och ser mer viktigt och värdefullt ut i sig. Det är ett tempel, inte ett museum, en koncentrationsplats eller till och med en tjänst.
Denna kvalitet på rundan betonas och används i hängningen. Grafik av den nya tiden visas i enlighet med alla regler för utställning av museum och med vederbörlig respekt. I det roterande utrymmet till vänster upphör det grafiska arket att vara självvärdigt och blir en underordnad del av den rumsliga tomten. Arken av Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban hängs i två rader utan att uppmärksamma varje enskilt verk som ett museumsvärde (1900-talets grafik i det cirkulära galleriet fungerar som en övergång, själva virvlingen tar redan bort museet stränghet).
Betydelsen av uttalandet är tillräckligt tydlig. Modern grafik är inte riktigt en utställning här, utan snarare en förklaring om själva dess existens - uppdraget att fortsätta och återuppliva traditionen med klassisk teckning. Det är en del av ett imaginärt konsttempel, medan den historiska samlingen är ungefär som dess sakristi, ett förvar av värdefulla exemplar.
Det är karaktäristiskt att plastinredningen, som så subtilt tolkar utställningens innehåll, förblir inom ramarna för klassikerns språk. Helt utan beställning, men detaljerna och rumsliga upplevelserna läggs till i den runda hallen av de faktiska grafikbladen. De är hans kortvariga arkitektur. Tänk till exempel på den runda sidan av Pantheon, artikulerad av en snyggt ritad sockel med lossningsbågar: "Pantheon in the pantheon" fortsätter det igångsatta spelet ytterligare, redan i ett imaginärt utrymme bakom grafikarkets plan.
Till det som har sagts återstår att tillägga att utställningen, med början från 1700-talets "grundare", ytterligare utforskar den specifikt ryska traditionen att beundra Italien, och närmare den 21: a visar det sig att denna tradition här har förvärvat en del helt speciella särdrag, saknar en aning beundran och, i god mening, besatthet, som så subtilt fångas av hallens tempelform. Ingen bekänner studier av antikviteter lika uppriktigt som Maxim Atayants; ingen tror att hans arkitektur är född ur ett akvarellandskap, som Mikhail Filippov; ingen är så engagerad i det inneboende värdet av genren arkitektonisk grafik som Sergei Tchoban, som skapade sitt museum, och Sergei Kuznetsov, som ständigt går ut i det fria. Tillsammans är resultatet ett heterogent men absolut unikt fenomen.
Vi pratade med alla fyra utställare i det moderna ritrummet.
***
Sergey Choban Archi.ru:
Är detta verkligen den största utställningen av arkitektritningar som gjorts med deltagande av din stiftelse just nu?
Sergey Choban:
- Ja tror jag. Både efter antalet presenterade verk och efter den period som omfattas är detta den största utställningen. Här är verk från framstående västeuropeiska författare, grundare av 1700-talsskolan för arkitektritning och ett stort antal grafik av framstående ryska konstnärer och arkitekter som aktivt arbetade i detta sammanhang.
Utställningar av arkitektonisk grafik, organiserade av din stiftelse, tar redan form i en viss sekvens. Finns det en allmän plan, en utvecklingsvektor eller uppfinns tomten på nytt varje gång?
S. Ch.: I allmänhet, varje gång det uppfinns på nytt, även om vi har vissa principer. Vi strävar särskilt efter att arbeta med framstående museumsinstitutioner. Ett av våra nästa projekt kommer att vara gemensamt med Albertina från Wien. Dr Schroeder [chef för Albertina-museet i Wien - Archi.ru] var i salarna på vårt museum i Berlin och uttryckte en önskan att göra ett gemensamt projekt - vi är mycket glada över detta och stolta över detta förslag. Det finns också andra projekt.
Det finns planer på att arbeta med Shchusev Museum of Architecture, det tycker jag är mycket viktigt.
Du är samlare, grafiker, designer, arkitekt - hur är detta relaterat till varandra?
S. Ch.: Det verkar för mig att det här är olika länkar av samma yrke. I ett historiskt sammanhang var arkitekter också konstnärer; de var inte bara engagerade i huvudbyggnader utan också i scendesign, teaterföreställningar.
Fram till 1900-talet hade arkitekter inte fotografering …
S. Ch.: Jag tror att fotografering inte har samma mål som arkitektritning. Ritningen fångar den viktigaste delen av mänsklig kreativitet - arkitekturen som en person skapar i det naturliga rummet.
Under tiden gör Maxim Atayants och Mikhail Filippov klassisk arkitektur, men det gör du inte
S. Ch.: Naturligtvis inte, detta är inte direkt relaterat till den arkitektur vi gör. Det verkar för mig att studiet av arkitektur genom att rita kan leda till helt andra resultat: det är studiet av proportioner, och rumsliga effekter, och tyg och detalj. Det är inte för ingenting som idag, inte bara på ryska utan också i många europeiska skolor, återigen ägnas mycket uppmärksamhet åt ritning, för bara genom ritning kan du se hur material av olika strukturer kombineras med varandra, hur tyg av de minsta detaljerna flyter in i varandra.
Dina teckningar på utställningar är alltid mycket färdiga verk, ritade från naturen. Varför visar du inte skisser?
S. Ch.: För det första är temat för denna utställning ganska bestämt, det innebär inte något annat. Och för det andra måste själva ritningarna ha en oberoende kvalitet. Skisser har inte alltid denna kvalitet.
Växer din målning mer ur din samling eller ur din arkitektur?
S. Ch.: Jag tror att samlingen trots allt växte ur ritning. Och mycket av arkitekturen jag gör växer av att rita. Det växer bara inte rakt. Det finns inget sådant att du ritar en byggnad från antiken och sedan designar något liknande. Då designar du något annat, eftersom lagarna för rymdutveckling är olika.
*** Vi lyckades ställa tre andra deltagare i utställningen samma, i det här fallet viktiga, frågan: huruvida deras grafik skiljer sig från den historiska, och i så fall hur.
Maxim Atayants
Hur skiljer sig din grafik från de historiska som presenteras här på utställningen?
M. A.: Grafiken är så annorlunda här … Jag känner att de fyra samtida utställarna skiljer sig nästan lika mycket från varandra som de som hänger i andra utställningshallar.
Tiderna är olika. Modern grafik kunde inte annat än påverkas av modernitetens kolossala visuella redundans. Under de senaste två åren har fler fotografier tagits i världen än i hela tidigare historia sedan den första daguerreotypen. Trycket av visuell redundans tvingar oss att behandla ritningen annorlunda och dra ut något därifrån som inte är, säg, i fotografi. Jag är en ganska professionell fotograf, så det är viktigt för mig att jämföra dessa saker. Men jag är rädd att medvetet reflektera över detta ämne, för uppgiften att rita och fotografera är densamma … Jag vill på något sätt uttrycka min glädje och spänning vid mötet med dessa byggnader. Förmodligen löste Quarenghi samma problem. Och resultatet är annorlunda, för eran är annorlunda. Hur ska man annars svara på det?
Varför fotograferar du inte bara utan ritar också?
M. A.: Men på detta kan jag lätt svara. Eftersom olika mekanismer är inblandade. Ritning är ett sätt att lära sig, den enda typen av mänsklig aktivitet där hjärnan, ögat och handen samtidigt är involverade med lika intensitet. Det är omöjligt att spendera en timme eftertänksamt och koncentrerat på att titta på någon arkitektur om du inte målar. Detta är ett sätt att lära sig.
Vi tar bilder för andra att dela och ritar för oss själva. För assimilering. I mitt fall, åtminstone.
Har du någonsin målat från ett fotografi?
M. A.: Naturligtvis, som alla idioter som studerade vid konsthögskolan, drog jag från fotografering på natten, när jag till exempel inte hade tid att slutföra mitt uppsatsarbete. Då verkade det för mig att det var lättare. Nu försöker jag inte göra detta, för det här är en meningslös efterlikning av processen. Enligt min mening är poängen med att rita från livet.
När jag ritar, förstår något, är den här processen djup. Varför förenkla det när du försöker få samma resultat billigt? Eller utåt ser likadant ut. I de fall när du inte hade tid att avsluta på plats, tittar du naturligtvis ibland på fotografiet … Men det här är sekundärt. Det är fantastiskt att det nu är mycket svårare och längre för mig att rita från ett fotografi än från naturen. Det är sant.
***
Sergey Kuznetsov
Hur skiljer sig din grafik från de historiska som presenteras här på utställningen?
S. K.: Jag skulle ödmjukt säga att vi inte kan göra det. Jag är nöjd med verken från Maxim Atayants, som hittade en resurs i sig själv, kunde dyka in och gå till en annan grad av detaljer - det är uppenbart att svårt inte betyder bra, men helt enkelt inte betyder dåligt - men ändå, vilka höjder de gamla mästarna nådde, och i tålamod och i hårt arbete och i ögat - det här är fantastiskt. Vi måste lära … Jag ser fortfarande avundsjuka på den grafik som presenteras här; att behärska en sådan färdighet skulle naturligtvis vara bra.
Betyder ritning av klassisk arkitektur att sträva efter att bygga klassisk arkitektur?
S. K.: Nej, det betyder inte alls. Att rita klassisk arkitektur bör inte kopplas till designen av klassisk arkitektur, precis som att läsa The Three Musketeers inte betyder att du är redo att svänga svärdet imorgon.
Hur är då arkitektur och målning kopplad till dig personligen?
S. K.: I den meningen är jag en gammalskolamänniska, jag värdesätter grundläggande färdigheter. Det verkar för mig som hur arkitekturen skapas inte har förändrats och inte bör förändras: en person måste skicka tankar, förnimmelser, känslor genom sig själv - en dator tillåter inte att uttrycka allt. Jag var djupt och allvarligt förtjust i datorgrafik, jag hade många publikationer och utställningar, detta ger mig möjlighet att jämföra arbete med mina händer och ögon - och arbeta med en dator. När du har kontroll över din hand och kan skildra vad som finns i ditt huvud med dina egna händer, hjälper det dig personligen och fungerar också bra som ett övertalningsverktyg.
Varför visar du inte skissgrafik?
S. K.: I det här fallet skulle det inte vara lämpligt … Detta är inte en medveten position; det kommer att finnas förslag - vi kommer att ställa ut. Generellt sett är detta inte sant, vi ställer ut det - på utställningen av "årets arkitekt" på Arch Moscow hade vi en skissritning. Vi har många skisser av god kvalitet. Handskrivningarna kommer enligt min mening helt enkelt inte att vara av intresse för publiken. I allmänhet skulle jag säga att publikens intresse för något arbete är direkt proportionellt mot mängden arbete som investeras i det.
Hur började du rita historisk arkitektur?
S. K.: Jag började rita långt innan jag gick på college. Mina föräldrar var inte på något sätt kopplade till varken konst eller arkitektur, men jag fördes bort av en mängd kreativitet, prototyper, teckning, och så jag fick förberedande kurser på Moskvas arkitektoniska institut. Sedan dess har jag inte slutat måla; men efter institutet var det en paus när jag inte längre var engagerad i manual, utan i datorgrafik.
Senare, när jag började arbeta med Sergei Tchoban, någonstans runt 2006, föreslog jag att han skulle resa till olika städer, rita arkitektur. Sedan dess reser vi regelbundet flera gånger om året för att måla arkitektur. Vår första resa ut i Rom var till exempel i Piranesis fotspår.
***
Mikhail Filippov
Hur skiljer sig din grafik från de historiska som presenteras här på utställningen?
M. F.: Jag kan inte svara på en sådan fråga. Jag kan berätta hur arkitektonisk grafik skiljer sig från ett arkitektoniskt landskap. Jag har varit medlem i Union of Artists i 30 år och har stått ut som konstnär på många ställen, inklusive Tretyakov Gallery och Russian Museum. För mig är denna fråga helt tydlig. Det arkitektoniska landskapet som våra förfäder var engagerade i är först och främst högkvalitativ ritning och organisering av arket med en konstnärlig inriktning. Tyvärr målar de flesta arkitekter sitt favoritobjekt som ett litet perspektiv och inte som ett landskap.
Under sovjettiden arbetade jag till och med under konsthögskolans kontrakt som en ren landskapsmålare. Under perestrojkan kom seroviterna till makten där - de flesta av dem är bra artister, realister, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Stark, teknisk grafik fanns också där.
Resten av sovjetisk grafik utvecklades i riktning mot den modernistiska organisationen av arket: om till exempel vattnet är lätt skrivs det helt vitt och så vidare. När jag började skriva tänkte jag mer på nyanser, mellantoner; nyanser av vit natt, kvalitet på teckningen, finesser i perspektiv … Detta gjorde mig ganska unik vid den tiden, dessa gamla människor älskade mig väldigt mycket. Jag arbetade under kontrakt, kom och visade dem, de gjorde några kommentarer - det kändes som att mästarna såg på mig.
Så jag känner inte så mycket skillnad med de gamla mästarna. Om de inte gjorde en teknisk ritning utan ett landskap. Tillvägagångssättet till landskapet var som en konstnär. Arkitekturfakulteten vid konsthögskolan anställde en gång de som ritar bättre och målningen - de som ritar sämre. Och de gav ett diplom under namnet "konstnär av arkitektur" - detta formulerades förrän några, jag minns inte exakt, ett år. Jag känner ingen skillnad med dem, särskilt inte när det gäller verk från början av seklet. Jag växte upp på Ostroumova-Lebedevas verk.
Även om en ny nyans för mig är intressant - den vita natten. Det ryska landskapet var nyanserat i mellanstater. Till exempel Vasiliev - tina, ingen vinter, ingen vår, inget ljus, inget mörker, halvton, en solstråle … Du kommer inte att hitta högkvalitativa landskap i världsmålningen, där det skulle vara en ljusblå himmel och ljus grönska! Kanske kan Rylov ha något sådant, eller Cezanne, men det är redan annorlunda.
Det visar sig att du har två teman: ditt arkitektoniska landskap och din arkitektur …
M. F.: Inte! Det är ingen skillnad. Vacker arkitektur bör associeras med naturen, med solen. Jag känner och älskar konsthistoria mycket bra. På 1980-talet var det intressant för mig att fortsätta det som blev kort på tjugoårsåldern, när måleriet på något sätt började förvandlas till - kanske mycket högkvalitativt - men modernism.
Tror du att det är riktigt att växa tillsammans?
M. F.: Ja, det här är en absolut verklighet. I januari i år överlämnade jag det - skogar avlägsnades från 750 tusen kvadratmeter bostadshus.
I Sotji?
M. F.: Inte bara i Sotji, i Moskva finns det ett hus på marskalk Rybalko Street. Jag kan försäkra er, det här är förkroppsligandet av 2001-stilen som jag kom med för trettio år sedan.
Känner du detta som en förkroppsligande av din målning?
M. F.: Ja, ja … Jag ser inte skillnaden.
Tro det eller ej, jag tog examen från akademin, kom med ett koncept och efter det tog jag en pensel och akvarell för första gången. Jag skrev inte på akademin eller på konstskolan. Och om jag skrev är det omöjligt att titta på vad jag gjorde då.
*** utställningen är öppen till 27 juli (öppettider)
