Temat för biennalen, som tillkännagivits av curatorerna Yvon Farrel och Shelley McNamara, är som alltid vagt men inte för vagt. Genom namnet - FreeSpace, eller Free Space, förresten, på Biennalens flerspråkiga skärmsläckare, dessa ord på ryska ges stora och är sämre än engelska - det är uppenbart att vi pratar om offentliga utrymmen, ett ämne som under de senaste åren har lyckats bilda ett bra ringformat spår hos alla som är involverade i hjärnbarken. Så vid presskonferensen förklarade curatorerna att ja, naturligtvis, offentliga utrymmen, men inte direkt de och inte bara de, och uppmanade att tänka på hur de befintliga utrymmena gör att du kan känna dig fri, påminna om känslorna i fritt utrymme och inre frihet, klargörande att det inte bara är utrymmena mellan byggnader utan också anslutningarna och interaktionerna mellan dem. På något sätt är det nödvändigt att visa, åtminstone utifrån ögonvinkeln, de projekt och byggnader som arkitekterna bjudit in av curatorerna - i år finns det 65 av dem i Arsenal, och jag säger direkt att det inte finns några Ryssar. Diller Scofidio + Renfro deltar, den andra till höger om ingången, men de visar inte Zaryadye, utan den 14 våningar höga byggnaden av Roy and Diana Vagelos Medical Education Center vid Columbia University i New York: “… byggnaden uppmuntrar teaminlärning, dess huvudsakliga mottagning är den pedagogiska kaskaden, en sekvens av sammankopplade utrymmen, ljusa och mättade med luft. … Till skillnad från konventionella medicinska centra, där huvudmålet är att optimera varje kvadratmeter, är det flexibelt, anpassningsbart och uppmärksammar känslor, - så avslöjar projektet själv temat för biennalen. Glädje hördes.
Men temat för offentliga utrymmen påverkade verkligen utställningen. Inte bara uppmuntrades alla igen att tänka inte helt på byggnaderna utan på vad som står emellan dem - kom ihåg den mystiska där ute av Aaron Betsky - så också skulle utrymmet vara fritt. Inte överraskande, nästan varje utställare erbjöd bänkar i en eller annan form, från kuddar till platser där du till och med kan lägga dig lite. Detta är en mycket bra innovation: det är känt att biennalen handlar om ben, utställningen är enorm och inte varje varg når slutet. Även om det i år verkar lite mindre, är de dystra kamerorna i Giardino delle Vergini inte upptagen med någonting. Annars, som alltid, tävlar installationer i originalitet och djup, och väljer en genre mellan presentation av projekt och forskning, byggande av trappor till taket, varifrån du kan se Arsenal-hallarna ovanifrån - det finns särskilt många av dessa, alla år mer och mer - meditativa ljus- och musikshower, arkitektonisk plast, minimalism till självförnekelse och så vidare.
Kuratorernas kommentar är lakonisk och fördelas över två hallar - vid ingången, efter en gardin gjord av rep som påminner om det ursprungliga syftet med Corderi: rep gjordes i den,”det var ett arbetsutrymme och nu ett utrymme för kommunikation”. I första raden kallar kuratorerna byggnaden för en aktiv deltagare i utställningen, beundrar dess längd på 317 m och specificerar - linjalen de ritade på golvet jämför de gamla venetianska fötterna, piedi och metriska enheter. I taket längs hela längden av Corderie projiceras bokstäver med samma emblem som den nuvarande biennalen - de hänvisar till solens bländning från vattnet, som så ofta kan ses i taket här i staden. Alla utställningar”representerar aspekter av deras författares arbete” och svarar på olika delar av manifestet, klargör Farel och McNamara. Poängen är: kultur, materialitet, möjligheter, rörelse, tid, minne och gåvor från naturen.
De första deltagarna från entrén presenterar just sina projekt: Briton McLaughlin - i form av ett roterande träbord i andan av Leonardos modeller, med en stjärnhimmel på bordsskivan; på öppningsdagen snurrade han själv bordet, vilket är ganska svårt.
I närheten visar Takahara Tezuka sin ovala dagis Fuji: en animerad projektionsmodell visar hur barn springer inte bara runt gården utan också på taket och besökare är oroliga för att de inte skulle falla.
Arkitekter visar sitt arbete, men strävar ofta efter att hitta temat för Biennalen och på jakt efter”fritt utrymme” vänder de sig till exempel från historien - till exempel Arrea Architecture från Slovenien: “… vårt projekt handlar om ett torg och en träd . En av rutorna är katedralen.
Ett annat alternativ - Weiss / Manfredi, definitivt inbjuden som författare som är skickliga i byggandet av parker och offentliga byggnader, visar 2/3 av deras verk och ungefär en tredjedel av historiska analogier, Shah Abbas-bron i Isfahan och Sydney Opera, så att säga, sätta sig i sitt sammanhang.
Gumujan-byrån, kallad britten vid biennalen, visar projekt för den transkaukasiska vägen, en analog till den norska turistvägen: en serie rumsliga ingripanden som sträcker sig över 750 km. Broar, skjul, bryggor och andra inneslutningar i landskapet, utformade för att byggas inom tio år med involvering av volontärer. Rutten är inte avsedd för "industriell turism" - författarna förklarar, men den passar perfekt utställningens tema och förvånar i allmänhet omfattningen och delikatessen att arbeta med naturen. Berg av wellpapp med gyllene stänk av mönster är mycket attraktiva.
Utställningen av det kinesiska byråns DNA är i sin betydelse relaterad till den armeniska och visar också landskapsinklusioner av hög kvalitet - amfiteatrar och broar i Sonyan-kantonen, en del av projektet för att återuppliva regionen. Kallas "arkitektonisk akupunktur". Lokala material och byggteknik används.
Spanjorerna Flores & Prats visar i stor skala deras projekt att omvandla en övergiven byggnad av ett arbetarkooperativ, byggt i Barcelona 1924, till ett teaterrum, bygga ett fragment av det i full storlek, och det visade sig att framför det finns de ökända bänkarna, på baksidan finns scener med detaljerade, i en mängd olika layouter, en berättelse om projektet.
Bland installationerna - mikro-offentliga utrymmen, kanske den första överraskar plywoodskåpets attraktion från Alison Brooks. Hon kombinerade fyra paviljonger, två med desorienterande speglar, en med bågens perspektiv som kan observeras och fotograferas, naturligtvis, liggande på plattformen, vilket är vad alla gjorde. Naturligtvis fanns det en amfiteater. Byråns arbete är i blygsamma små böcker om rep. Vi sitter på amfiteatern och tittar. Alla delar av installationen återspeglar på ett eller annat sätt Brooks arkitektoniska lösningar.
Det finns dock många trappor till taket, som redan nämnts, i år.
Gyllene lejonet
gick till Kenneth Frampton, medan i Corderie, kanske Rafael Moneo, spelar rollen som "luminaries" med uttalandet,
Och Mario Botta, som har samlat buggar och klassiska fasader i en plywoodburk. Och allt detta är arbetet med flera grupper av förstaårsstudenter. Ämnet för en grupp är en introduktion till ett arkitektoniskt projekt, den andra är att se, se, observera, föreställa sig.”Arkitektur studerar först och främst människolivets rymd och förvandlar det och skapar nya rumsliga förbindelser”, säger beskrivningen. "… Därför måste arkitekter först och främst komma ihåg ansvaret, och när de tar rollen som tolk för samhällsminnets historia måste de följa den fasta tron att de inte uppfinner så mycket som de skriver om den forntida" handling av konstruktion "på ett modernt sätt.
Alejandro Aravena skrev sina principer snabbt, på papper och på väggen.
Det fanns en plats för kuddar - i installationen av Benedetta Tagliabue som heter "Woven Architecture".”Fritt utrymme ger en känsla av tillhörighet och en viss typ av lycka”, säger arkitekten.
… och för "renässans" sepia - från spanjorerna De Blacam & Meagher; projektets show är stiliserad som missbrukare.
Australiensare John Wardle arkitekter byggde ett rör som liknade camera obscura, från vilket draperiet togs bort och kallade det mystiskt”Någon annanstans”.
Den långa metallkonstruktionen med korrugerat tak representerar taket som norrmännen Jensen & Skodvin byggde över Moya-källan. Du kan gå in.
Italienarna Laura Peretti arkitekter visar ett projekt för förnyelse av Corviale, ett berömt mycket långt modernistiskt hus, antingen urbana skräck, eller ett monument till upplevelserna av efterkrigstidens arkitektur.
Och slutligen, i slutet av 317 meter, argumenterar Corderi med varandra i transparensen och dematerialiseringen av Kazuyo Shojima / Ryue Nishizawa med en plastinstallation som på ett levande sätt liknar Junio Ishigamis fiskelinor, som slits av en katt för 10 år sedan, och Ricardo Bloomer med dukar av såpbubblor som styrs av sofistikerad automatisering, som representerar "Extrema omständigheter med fritt utrymme" och samtidigt - författarens experimentella utbildningsmetoder. Kanske, i betydelsen av dematerialisering, vinner den senare, men överflödet av såpbubblor - överraskande nog - är nästan omöjligt att fotografera.
Det sista föremålet för Corderi - "Spatial Experience", Valerio Olgiatis hypostyle, sätter stopp för tvisten.
