- Vad är meningen med din installation? Vad är mest intressant med det, enligt din åsikt?
"Vår installation fick namnet" The Museum of Rural Labor ", och det mest intressanta i det tror jag kommer att vara förhållandet mellan den yttre bilden och det inre rummet. Detta är ett torn med en diameter på 3,2 meter och en höjd på 8 meter, som från utsidan fungerar som en geometrisk skulptur - en slags ordningskolonn som dök upp ur ingenstans i ett potatisfält nära byn Zvizzhi och samtidigt tiden ser ut som om den alltid stod där. När du tittar på det kan de mest olika föreningarna uppstå - från ett banalt vattentorn till den sista kolumnen i den försvunna akropolen, och viktigast av allt kommer det att vara ganska svårt från utsidan att bedöma dess verkliga skala, eftersom en struktur kantad med Adobe kommer visuellt att gå samman med sin jordbas och allmänna miljö.
De som reser till små städer och byar är vana vid sådana små vertikaler, vattentorn, som länge har tappat sin funktion, men fungerar som identifieringsmärken för bosättningar. Vårt torn från sidan kommer att se ut som en sådan halv övergiven dominerande, även om det faktiskt är tänkt att vara bebott. Vi gjorde precis ingången till den ganska påfallande och placerade den på sidan mittemot vägen. Det inre utrymmet riktas uppåt och är upplyst med varmt ljus och på tornets väggar placerar vi föremål från landsbygdens liv. Tornet kallas”Museum of Rural Labor” eftersom det innehåller äkta artefakter som bara tillfälligt förvandlas till utställningsobjekt.
Vem är dina medförfattare i det här projektet?
- Vi uppfann och förverkligade Museum of Rural Labor tillsammans med den begåvade arkitekten Agnia Sterligova. Vårt samarbete började 2012, när Agnia, som en del av SPEECH-byrån, var engagerad i ett projekt för exponering av den ryska paviljongen vid Venedigs arkitekturbiennal. Tillsammans med Agnia, nu en oberoende praktiserande arkitekt, gjorde vi också installationer i Milano - U-Cloud 2014 och Living Line 2015 (tillsammans med Sergey Kuznetsov), och i januari i år utvecklade vi designen av Jan Vanrita-utställningen” Att förlora ansikte”för Jewish Museum and Tolerance Center i Moskva.
Du gjorde projekt i Milano, men du har inte deltagit i Archstoyania tidigare. Varför nu?
- Det är en stor ära för mig att delta i Archstoyanie-festivalen. I år hålls festivalen för tionde gången, och låt oss vara uppriktiga, jag fick inte omedelbart en inbjudan att bli en av dess författare. Första gången Nikolai Polissky erbjöd mig det för ungefär tre år sedan. Och sedan ansåg vi en mycket intressant plats vid ingången till Nikola-Lenivets, men det hände så att festivalen var tvungen att justera installationernas geografi, en annan webbplats dykt upp för oss, och för henne gjorde Agnia Sterligova och jag också två förslag, men av olika skäl och de har inte implementerats. Och sedan dök Zvizzhi upp, detta potatisfält, idén om ett inträdesskylt, och slutligen, som de säger, kom allt ihop. Och jag är väldigt glad över det.
Hur påverkade Archstoyanie-sammanhanget dig? Hur skiljer sig din installation från dina andra verk i samma genre?
- Nyckeltemat för Archstoyanie är just utrymmet, landskapet där festivalen hålls, och alla installationer här är stora arkitektoniska och skulpturella föremål som skapas i den naturliga miljön och sedan slår sig ner och ständigt interagerar med denna miljö. Utställningsgenren, tillfällig arkitektur är i princip väldigt intressant för mig och möjligheten att skapa ett objekt som inte är fokuserat på det urbaniserade utan bara på den naturliga miljön bör erkännas som unikt i allmänhet, så vi kastade oss i sammanhanget med stort nöje och försökte hitta en intressant handgjord utföringsform för den. Naturligtvis påverkade detta också materialvalet. Vi förstod att endast helt naturligt material är lämpligt här, men samtidigt inte trä, eftersom temat för träarkitektur, enligt vår mening, vid Archstoyanie redan har blivit mer än avslöjat. Så vi letade efter ett lika naturligt, "levande" material som helt enkelt uppträdde naturligt och som någon gång kan försvinna lika naturligt. Och i slutändan bestämde vi oss för adobeklädnad och idealiskt betonade det faktum att vår struktur växer ut ur marken, vilket symboliserar arbete på marken, som alltid har varit och förblir det främsta stödet, den kolumn som mänskligt välbefinnande vilar på.
Även om materialet, proportionerna och funktionen är olika, kompositionellt och bildligt: som något som står i ett öppet fält - finns det en likhet med Brodskys Rotunda som står i fälten i närheten, i Nikola-Lenivets. Hur medveten är denna likhet? Är det en hyllning till en plats, en postmodern dialog eller en olycka? Eller provocerar landskapet?
- För att vara ärlig ser jag ingen likhet mellan vårt objekt och Alexander Brodskys Rotunda. Är att den runda formen på båda objekten kan leda till ett sådant antagande?.. En sådan form är verkligen alltid väldigt intressant och uppfattas med fördel i naturliga utrymmen - ett faktum känt åtminstone sedan renässansen. Och när det gäller proportioner, material, perception är vårt "Museum" och "Rotunda" helt annorlunda. Några paralleller kan snarare dras med Nikolai Polisskys "Beaubourg" - en långsträckt form, krönt med ett slags slutförande. Men jag upprepar att om vårt objekt hänvisar till vissa prototyper, så är det här verkliga vattentorn i många byar och byar.
