Sergey Estrin:
- Det är svårt att ta fram några tydliga kriterier för att bedöma nivån på det grafiska arbetet. Om du börjar från det motsatta, från det du inte gillar, gillar du det definitivt inte när duktiga föredragande reproducerar fotografier. Sådan grafik är slående bara genom att de överför bilder med högsta noggrannhet, dess bilder ser ut som levande. För mig är detta definitivt inte ett urvalskriterium. Det är viktigt för mig att jag omedelbart vill tänka över det när jag tittar på ett verk. Så att en hel rad associerande bilder, allusioner, till och med känslor och känslor dyker upp. Jag gillar det när du börjar följa linjen, hur författaren ledde den, och jag vill fundera över varför han gjorde det på det här sättet och inte annars. Det är ungefär detsamma med arkitektur - jag är fascinerad av tvetydiga byggnader när du kan njuta av olika vinklar, olika nya bilder och upptäckter …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Jag älskar hans grafik väldigt mycket. Det är väldigt annorlunda. Bunin hade till exempel en period då han målade i fläckar. Som barn hade jag böcker med hans illustrationer. Jag minns hans fantastiska illustrationer för Pushkin. Jag gillar verkligen hur han arbetade med Omar Khayyams texter. Eller den här teckningen: av livets livlighet, av underdrift - detta är ett intressant arbete. Bunin behöver inte rita hela figuren, hela volymen, detta är överflödigt - själva linjen, hur den går och förmedlar bildens innebörd. Någonstans verkar det som att handen darrade, linjen går sönder - men det är inte för att konstnären är svag, utan för att det är nödvändigt att förmedla innebörden. Och nu tittar du på den här linjen - intermittent, nervös, olika i tjocklek - och den berättar allt som behövs. För mig är detta den högsta nivån, helt fantastisk grafik. Dessutom är jag säker på att Bunin målade detta utan någon förberedelse, modellen poserade knappast för honom. Jag försöker medvetet upprepa detta sätt att rita linjen, jag ritar berg så här … På detta sätt - i halvlinjer - försöker många konstnärer rita, men inte alla lyckas. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Jag blev bekant med hans arbete på institutet. Noakovsky - rysk-polsk arkitekt och grafisk konstnär, bodde vid början av 1800-talet, före revolutionen som han undervisade vid Moskvaskolan för målning, skulptur och arkitektur, var medlem i Imperial Academy of Arts. Han var en stor akvarellist, målade arkitektoniska monument. Eleverna älskade honom. Ett fotografi har överlevt där han ritar med krita på en skiffer under en föreläsning och förklarar arkitektoniska stilar. Jag föreställer mig tydligt hur han först visar vad som skiljer, säg, rokokostilen - proportioner, element, kombinationer, förhållandet mellan väggarnas skalor och dekor. Och han gör allt snabbt, med några slag, men på ett sådant sätt att essensen fångas. Det vill säga på en mycket konstnärlig och professionell nivå. Jag kan föreställa mig hur upprörd det var för eleverna när han tvättade en sak och började rita en annan, kanske inte mindre lysande …
Samma sak är i dessa akvareller: det viktigaste förmedlas här. Noakovsky behövde inte rita varje detalj, varje lättnad, som om han kopierade ett fotografi. Istället koncentrerar han sig på kärnan: den förmedlar utrymme, kraft, rytm, proportioner, intryck från dem. Detta är mycket besläktat med hur vårt minne fungerar i allmänhet - små saker raderas och lämnar en gemensam bild som imponerade oss. Så är det Noakovsky - han fattar hela bilden. Ett väldigt arkitektoniskt, mycket korrekt, som det verkar för mig, att rita. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
För att vara ärlig berör inte allt i Piranesis arbete mig. Forntida monument, utsikt över Rom, dess arkitektoniska landskap får mig inte att känna mig stark. Det är mycket bra gjort, genomtänkt, verifierat, men gör dig inte orolig. Och en helt annan sak är hans fantasier om temat fängelser, hans "Dungeons" - en serie på 16 ark. Arkitektoniska dårskap, helt omöjlig i verkligheten, där han inte längre begränsade sig till någonting. I dessa ark byggde han en transcendental värld, komplex, fascinerande, mystisk, spännande. Jag köpte en gång en hel bok för några reproduktioner av Piranesis Dungeons. Dessa verk är mycket personliga, känslomässiga och, viktigast av allt, mycket moderna, även om de först publicerades i mitten av 1700-talet. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Far till Alexander Brodsky. Examen från Moscow Architectural Institute. Och i sin bokgrafik känns verkligen en arkitekt. Det finns en kontrast, proportioner, någon form av svårighetsgrad, naturligtvis en känsla av linje och form - allt detta tillsammans gör ett starkt intryck. Han vet hur man skickligt piskar upp ämnet - titta på dessa ropande huvuden, det finns så många av dem att det verkar som om du redan kan höra, fysiskt känna deras skratt. Figurerna av Don Quijote och Sancho i mitten av detta huvud av havet ritas som om de gjordes av en skulptör. Mycket bra grafik. För sina illustrationer till Don Quijote fick Savva Brodsky en guldmedalj på Moskvas bokmässa och valdes till motsvarande akademiker av den spanska kungliga akademin för konst.
Och hans lakan för Romeo och Julia är också fantastiska och väldigt arkitektoniska. Detta bevisas av det faktum att detta är en serie - det vill säga författaren ställer in rytmen och fungerar därför som arkitekt. Det finns yxor, ett perspektiv som sträcker sig till oändligheten, och skulpturella figurer som sätter skalan för denna kolonnad och skeppet. Mycket trevligt. Brodsky vet hur man förmedlar synen hos en person som tittar på jättar. Som arkitekt förstår jag absolut allt här, kanske det är därför jag gillar det. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
Den österrikiska konstnären, en elev av Klimt, efter hans död var faktiskt den främsta konstnären i Österrike, men dog 28 år av en spansk kvinna. Han har många målningar och flera tusen teckningar. Hans arbete är väldigt intressant. Fantastisk talang. Både igenkännlig och mångsidig. Kanske, om han hade levt ett långt liv, skulle han ha blivit en skulptör, för hans saker är väldigt skulpturella, och kanske till och med en arkitekt … Han ser mycket rätt, tar bort onödiga saker och lägger till några ovanligt skarpa känslor. Han har en otroligt underbar linje, som en bar nerv. Hans målning är oskiljaktig från grafik. Även de saker som är målade är helt grafiska.
Hans porträtt är inte på något sätt en karikatyr, inte en karikatyr, där de också försöker fånga det viktigaste. Han ändrar också proportionerna lite, sträcker dem. Schiele har en underbar skola, han vet säkert både proportioner och anatomi, men han vet hur man kan skärpa dem och förmedla dem på ett sådant sätt att varje rad börjar ringa med en utsträckt nerv, man kan nästan höra det.
Och hans arkitektoniska ritningar, som mycket mindre publiceras än porträtt, är helt enkelt magnifika i en del av sin enkelhet. Och här ser han också det viktigaste. Det verkar som om de vanligaste husen skulle ingen tänka att fånga dem. Men några accenter - och från dem kommer du att känna igen tidigt 1900-tal, stämningen i moderniteten, även om det inte finns en enda linje från moderniteten, från art nouveau här. ***
