Stepan Lipgart: "Det är Rätt Att Böja Sin Egen Linje"

2024 Författare: David Durham | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 02:45

En familj

Wikipedia skriver att Lipgarts är en familj av Ostsee-adeln, känd i Livonia sedan 1500-talet, och under 1800- och 1900-talet bar detta efternamn av konstnärer, ingenjörer och ubåtdesigners. Vilka av dem är dina förfäder?

Min mammas föräldrar var fjärde kusiner till varandra, båda nee Lipgarts, ättlingar till det gamla efternamnet till de baltiska tyskarna, invandrare från Pernau (nu Pärnu, Estland), som en gång verkligen hade en titel av adel. Mina förfäder tappade emellertid den i början av 1800-talet. Min mormors farfar, Ernest Lipgart, ingenjör utbildad, ärvde från sin far ett stort företag som ägde sig åt produktion av cement och jordbruksmaskiner. Hans son Voldemar (Vladimir) studerade för att vara arkitekt, men föredrog en konstnärs väg. Hans öde var tragiskt, i slutet av 1930-talet”försvann han”: som det visade sig de senaste åren sköts han på Butovos träningsplats. Min mormor, också en konstnär, förvisades från Moskva till Karaganda i början av kriget som tysk.

Min farfars far, ingenjör Andrei Aleksandrovich Lipgart, är en representant för en annan familjegren, chefen för en stor och stark familj, en enastående personlighet. 1933 blev han chefsdesigner för Gorky Automobile Plant, där han under nästan tjugo år skapade dussintals modeller av fordonsutrustning. Andrei Alexandrovichs meriter och prestationer erkändes främst under sovjettiden, därför var hans myndighet till exempel tillräcklig för att rädda en avlägsen släkting, min mormor, från exil. Det var så deras bekantskap med min farfar ägde rum.

Min farfars farfar på 1950-talet: en stor lantstuga och en lägenhet i en stalinistisk skyskrapa blev utrymmen där den bästa delen av min barndom också tillbringades. Den festliga atmosfären av familjemöten - högtidlig, men också uppriktig, som ägde rum i en ljus lägenhet med högt i tak, rik stuckatur, paneldörrar, från vilka jultomten alltid dök upp på nyåret - blev uppenbarligen ett intryck som bestämde min konstnärliga smak och estetiska preferenser i flera år …

Vad påverkade ditt beslut att bli arkitekt förutom teknik och konstnärlig genetik?

Det verkar som om en arkitekt inte är av misstag - ett yrke som ofta ärvs. I mitt fall är utan tvekan min mors inflytande, som, även om hon har varit engagerad hela sitt liv inte i praktisk arkitektur, utan i teorin, men från tidig barndom förklarade att vårt yrke är det bästa, universella i det - kreativitet, tanke och skönhet, och Moskva arkitektoniska - en plats av sällsynt nåd.

Yrke

Vilken av lärarna på MARCHI är viktig för dig att komma ihåg? Vem inspirerade dig, vem började du med?

Jag minns med vördnad och tacksamhet mina två lärare, som nu har gått bort. När jag gick in på institutet var jag omedelbart mycket lycklig: min lärare under de första två åren var Konstantin Vladimirovich Kudryashov. En man med stort hjärta och stor charm, ett strålande schema - jag minns med vilken avund vi såg hur tydliga, livliga rader av mästerliga skisser kom fram under hans hand. Naturens bredd verkar vara förkroppsligad i ämnena i hans ritningar: jakt på hundar, som han älskade väldigt mycket, forntida vapen, hästar, fartyg, segel … Tydligen motsvarade arkitektoniska preferenser denna romantiska, något nostalgiska uppfattning av världen: han talade om Venturi med stor respekt, Aldo Rossi. I allmänhet var postmodernismen enligt Kudryashov något bra. Det fanns inget negativt från hans sida även i förhållande till den stalinistiska arkitekturen, tvärtom, vid den allra första praktiska lektionen, som ägde rum utanför institutet, där han tog tillfället i akt, riktade Konstantin Vladimirovich vår uppmärksamhet på huset med arkitekten. Rybitsky, som på Zemlyanoy Val, svarar om denna arkitektur som hög kvalitet och betydande. Kanske det är därför beställningselementen och kompositionerna, vars studie låg till grund för det första årsprogrammet, gjorde jag utan en andra tanke min metod i de första skolprojekten under det andra studieåret. Kudryashov störde inte detta, bröt inte, men i slutet av det andra året varnade han: "Du har ett sug efter orderarkitektur, försök att flytta bort från det nästa år."

Varnade för att det kan finnas problem?

Jag sa det inte direkt, men jag uttryckte det så. Generellt sett var min utbildning i arkitektonisk design från det tredje till det femte året ganska konstig. Hur som helst, dess huvudprincip - att kopiera utländska tidskrifter med projekt som liknar ämnet och sedan återge de hittade idéerna och teknikerna i ditt projekt - tycktes mig till stor del meningslös. Samtidigt blev passionen för klassisk arkitektur, arvet från Sovjet 1930-50-talet, mer och mer medveten och djupgående. Jag minns hur jag just nu kom för att prata med Kudryashov och klagade, säger de, att det moderna inte inspirerar, vilket jag fick svaret på: om du känner att du har rätt, måste du kämpa "med yxor."

Naturligtvis var det här "på yxor" först med låga betyg och ett absolut missförstånd hos lärarna, men senare förenades de emellertid med den underbara beroendet hos en försumlig elev, vilket gav mig möjlighet att gryta i min egen juice.

Under det sjätte året var det dags att välja en examenshandledare, och sedan var det en andra lyckoschans - jag kom in i gruppen Vladimir Vladimirovich Khodnev. Avläggande av examen var helt lyckligt; de tidigare lärarnas formella tillvägagångssätt ersattes av någon form av berusande frihet till kreativitet och självuttryck. Det visade sig att det är rätt att böja din linje, men vad själen ligger i är värdefullt och viktigt. Lärarens känslighet och uppmärksamhet, som jag minns med stor tacksamhet, gjorde det möjligt för mig att förstå och lära mig mycket. Vid utgången visade sig examen vara ljus, jag skulle säga chockerande, kanske naiv, någonstans löjlig, men verkligen min. Jag måste säga att samma år dök upp barnen till Iofan, där Khodnev förresten stödde mig väldigt mycket. Det var en bra tid - vi trodde på oss själva.

Gruppen "Children of Iofan" gjorde ett stänk. Det uppskattades av företrädare för alla riktningar. Hur kom det till?

Tjugotvå år är förmodligen en lycklig tid för nästan alla: ungdomens hektiska energi, entusiasm utan hänsyn till pengar, rykte, kopplingar. Våren 2006 träffades vi och blev vänner med Boris Kondakov. Jag minns vårt första samtal: - "Hur känner du dig för Sovjets palats?" "Det är synd … synd att det inte byggdes." Det var lösenordet som för tillfället bestämde en sällsynt likasinnighet. Vi började arbeta tillsammans, naturligtvis var det inget tal om någon form av handel. Boris konstnärliga talang och min arkitektoniska vision förkroppsligades i konkurrenskraftiga projekt, i konstföremål, och vi arbetade sedan tillsammans på ovannämnda diplom och befolkade det imaginära Moskva 2006 med människor från målningarna från Deineka och Samokhvalov. En stor roll i vår biografi spelades av stadens festivaler, som organiserades av Ivan Ovchinnikov och Andrey Asadov. Gör-det-själv utomhusinstallationer var det första tillfället att testa rumsliga idéer i naturen. För första gången deltog vi i en händelse som kallades "The City of Childhood", i den här staden byggde vi ett objekt som liknade propagandastrukturerna på 1930-talet - "Red Stand", medan laget förklarades konsonant med temat av festivalen - "Children of Iofan".

De eldiga och motsägelsefulla trettiotalet, som Iofans projekt markerade vändningen till, kom i resonans med sina egna erfarenheter av ungdom, törst efter handling och förändring. I motsats till kaoset och kaoset i Luzhkovs Moskva, försökte vi presentera ett annat Moskva som det var tänkt i den allmänna planen 1935. I timmar gick vi på jakt efter fragment från den staden: röda linjer, riktningar, oavslutade komplex, lösa det som en rebus, föreställa oss en hel och smal ensemble bestående av högkvalitativ arkitektur, skapad av avlidna mästare, av vilka några namn väckte vördnad: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

• 

  

  1/5 Installation: Tank "Flowers to the Fallen". Arkitekturgrupp "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Installation: Tank "Flowers to the Fallen". Arkitekturgrupp "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Installation: Tank "Blommor till de fallna". Arkitekturgrupp "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Installation: Tank "Flowers to the Fallen". Arkitekturgrupp "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Installation: "Aeronautics system - ett verktyg för att öka rekreationskomforten i Moskva". Arkitekturgrupp "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

Vilken skandal hänt dig med Tom Maine?

Ja, det fanns faktiskt ingen skandal, men även utan den påverkade den händelsen mig mycket. Föreläsningen av grundaren av Morphosis-gruppen, under mitt tredje år, väckte en enorm uppståndelse: nästan hela Moskvas arkitektoniska institut dök upp i den snövit Vlasov-salen i Central House of Artists. Maines kreativitet är ljus, spännande, alla dessa trasiga, svävande, upplösande volymer kunde inte lämna likgiltiga. Då verkade allt som han demonstrerade för mig fruktansvärt, inte organiskt, saknar logik och framför allt anti-mänskligt. Efter att ha tagit mitt mod frågade jag efter föreläsningen en fråga, säger de, men hur är det med människor? Jag blev imponerad av att Maine först inte ens förstod vad jag menar. Hans svar relaterade till designteknik, han pratade mycket om detta under föreläsningen, säger de, datorn är bara ett verktyg, och människor, det vill säga arkitekter, är skapare, författare. Jag fick aldrig svar angående användarna av hans byggnader. Hur som helst, alla moderna arkitektoniska former efter den föreläsningen verkade onaturligt för mig under lång tid.

Det påminde mig om hur en gång kompositören Arvo Pärt bröt med avantgarden, för han kunde inte på detta språk säga vad han ville säga. Du har frågats många gånger varför du valde 1930-talet som din inspirationskälla, men jag ber dig ändå att förklara din inställning till denna arkitektur

Enligt mina känslor nådde arkitekturen i det ryska imperiet, främst i huvudstaden, i början av 1900-talet världsnivån, och om vi jämför det inte med kulturens centrum på den tiden - Frankrike, Österrike-Ungern, men till exempel med Italien överträffade det. Ta byggnaderna i Rom vid sekelskiftet, det här är en gedigen, väldragen, men ändå mycket sekundär arkitektur: en reproduktion av renässansen, absurda kompositioner på temat antiken eller på samma franska sätt.

Sankt Petersburg i silveråldern, tiden för Benoit och Lidval, är fortfarande fokus för högt yrkesverksamma, arkitektmästare. Låt oss komma ihåg konstruktionen av Marian Peretyatkovich, Wawelbergshuset på Nevsky Prospekt, ett lysande verk, en virtuos syntes av en florentinsk palazzo och norra jugendstil, eller den emotionella opusen hos den unga Belogrud, fylld med en vag energi av förväntan, förväntningar av chock och förändring.

När dessa chocker inträffade 1917 deltog de flesta av de äldre generationens arkitekter i byggandet av det nya landet, och deras elever, en galax av framstående arkitekter som studerade inför revolutionen och de första åren efter det, gick med med ännu större iver: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson och många andra. Det handlar inte bara om St. Petersburg-akademin, för grundarna av Moskvas konstruktivism, Alexander och Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, är yrkesverksamma inom den gamla skolan.

Oavsett hur paradoxalt det kan låta berikade början av 1930-talet under en tid sovjetisk arkitektur: i flera år existerade både avantgarde och klassicistiska begrepp. Mästarna på den gamla skolan fick tillfället att "slutföra att skriva" den nyklassicism som startade på 1910-talet, för att helt överföra sin kunskap och erfarenhet till en ny generation av anmärkningsvärda arkitekter: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. Med andra ord, enligt min förståelse, är sovjetisk arkitektur före kriget ett fenomen i mycket betydande skala, rikt på idéer och ambitioner som ärver hög kvalitet från tidigare epoker.

• 

  1/3 Arch. M. Peretyatkovich. House of Wawelberg på B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  2/3 Arch M. Peretyatkovich. House of Wawelberg på B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Hus på Ivanovskaya Street i St Petersburg. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Så ditt motiv för 1930-talet är att vädja till hög kvalitet

Jag fascineras av den tidens konstnärliga potential, förmodligen som en av formerna av hög kvalitet.

Vad är din favoritarkitektur?

Det finns en stor frestelse nu att komma ihåg något från den tidigare nämnda Sankt Petersburgs silverålder, men för tydlighetens skull kommer jag att namnge den byggnad som byggdes på 1930-talet, den gjorde verkligen ett överväldigande intryck på mig. För den internationella utställningen 1937, bland annat, uppförde Frankrike två storskaliga utställningskomplex, jag skulle vilja nämna ett av dem - Palais de Tokyo. Slottets arkitektur ligger nära både Mussolinistilen och sovjetiska modeller, främst Leninbiblioteket. Emellertid är byggnadens strama monumentala utseende betydligt mjukare, både av pittoresk i en tydlig volymkomposition och av den sensuella plasticiteten hos skulpturen som fyller utrymmena nära palatsfasaderna. Jag tror att känslorna i Palais de Tokyo, helt saknar den "totalitära" arkitekturens officiella domän, men även, som det verkar för mig, antyder en viss grad av intimitet, beror på det faktum att palatset ändå byggdes i en land med borgerlig demokrati.

För mig finns det ett visst kriterium med den högsta arkitektoniska kvaliteten: när en storskalig byggnad är så perfekt, integrerad, harmonisk att stadsrummet, som påverkas av dess arkitektur, uppfattas som en värld av jordlig skönhet, som är märkbart annorlunda även från de omgivande stadens vackra ensembler. I St Petersburg väcks en sådan känsla av kolonnerna i Kazan-katedralen i Paris - av Palais de Tokyo. I den sistnämnda världen triumferar proportioner och linje, ande och vilja, eldig kärlek, präglad i sten.

• 

  1/3 Palais de Tokyo på världsutställningen i Paris. 1937

• 

  2/3 Palais de Tokyo på världsutställningen i Paris. 1937

• 

  3/3 Palais de Tokyo i Paris. Fragment. © Stepan Lipgart

I vilka tävlingar och utställningar har du deltagit, med vilka fungerar? Vilka är utmärkelserna?

År 2017, i Moskva och sedan i St Petersburg, var det två av mina personliga utställningar ("The Seventeenth Utopia" och "Search for a Hero"), för vilka jag är mycket tacksam för deras kuratorer, Alexandra Selivanova respektive Lyusa Malkis. Men med speciell värme kommer jag ihåg vår utställning med den strålande titeln "Framåt, till 30-talet!" på Museum of Architecture, som öppnade hösten 2008. Hennes förberedelser påminde lite om en annan stadsfestival. Det fanns väldigt lite pengar, men många vänner redo att hjälpa, idéer och min egen styrka i obegränsade mängder. Kurator var min vän, konstkritiker Masha Sedova.

Och nu i två och en halv månad bosatte vi oss i ett litet samhälle, var engagerade i konstruktion av modeller, exponeringsinstallationer, produktion av affischer och annat utställningsmaterial. Resultatet verkar som om det var riktigt ljust, i alla fall uppmärksammade utställningens speciella gäst, Grigory Revzin, sedan barnen till Iofan.

När det gäller tävlingarna, tydligen, på grund av det specifika temat för vårt arbete, lyckades vi inte här för mycket, men vi strävar inte efter att lyckas, det finns ett par ARCHIWOOD-priser, men jag tror att detta kan tillskrivas till ett undantag från regeln.

• 

  

  1/6 Installation "Pilarar i OSVOD", pristagare för ARCHIWOOD-2012-priset Arkitekturgrupp "Children of Iofan"

• 

  2/6 Installation "Pillars of OSVOD", pristagare av ARCHIWOOD-2012-priset Arkitekturgrupp "Children of Iofan"

• 

  3/6 Installation "Pilarar i OSVOD", vinnare av ARCHIWOOD-2012-priset Arkitekturgrupp "Children of Iofan"

• 

  4/6 Installation "Pilarar i OSVOD", vinnare av ARCHIWOOD-2012-priset Arkitekturgrupp "Children of Iofan"

• 

  5/6 Installation "Pilarar i OSVOD", pristagare för ARCHIWOOD-2012-priset Arkitekturgrupp "Children of Iofan"

• 

  6/6 Installation "Pilarar i OSVOD", vinnare av ARCHIWOOD-priset 2012 Arkitekturgrupp "Children of Iofan"

Vilka är dina intryck av att arbeta i Mikhail Filippovs ateljé?

Enligt min förståelse är Mikhail Anatolyevich en lysande konstnär, och hans vision om arkitektur förutsätter en verklighetskvalitet som är ouppnåelig idag: social, kulturell, teknisk. För att Filippovs arkitektur i fullt ljud ska bli en del av den materiella världen finns det för mycket att förändra i världen, att komma ihåg mycket. Denna idé skrämmer och gör mig besviken, men det verkar som om en person, även oändligt begåvad, inte kan göra det. Jag arbetade totalt i Mikhail Filippov Workshop i ett år, jag är glad att jag känner mästaren, jag är tacksam mot honom för hans arbete.

Öva

Vid 30 års ålder började du designa stora bostadsområden i St Petersburg. Hus "renässans" på gatan. Dybenko har redan byggts delvis, "Petite France" på 20: e linjen på Vasilievsky Island byggs. Få människor lyckas få sådana beställningar i denna ålder. Vad är hemligheten?

För ett par månader sedan pratade vi med Aleksey Komov, och han definierade i synnerhet denna situation enligt följande:”Det finns din position som en mästare, en återupplivande. Det finns din värld där du bor utan att göra skillnad mellan papper och verkliga projekt, och kunder på högsta nivå, närvaron av denna värld, fastheten i konstnärliga övertygelser, känner och vill gå med. Och eftersom detta är en storskalig värld visar projekten sig att vara stora: bostadshus och fabriker, inte privata hus och inte interiörer."

Det låter väldigt högt, lovordande, å andra sidan är det konstigt att skriva av några händelser i livet på en blind chans. Jag minns att jag, när jag valde material till Arch-Moscow, vid trettio års ålder reviderade mina många bilder: papper, tävlingsprojekt, fotografier av installationer, och det fanns en känsla av att tillräckligt många bilder och idéer hade samlats så att de på något sätt bröt igenom, kom ut i den verkliga världen. Så det hände snart. Naturligtvis spelade tidigare bekanta en roll: Grigory Revzin förde mig tillsammans med Kusnirovich, Maxim Atayants, som är ett exempel för mig professionellt och moraliskt, underlättade ett möte med en St. Petersburg-utvecklare.

Berätta om enheten och metoderna i Liphart Architects verkstad?

Jag ser min huvuduppgift i att arbeta med en arkitektonisk bild, allt är byggt på ett sådant sätt att det löses med maximal effektivitet, men med ett minimalt team. Verkstaden är väldigt liten, upp till fem personer, den arbetar nästan uteslutande med skissdesign. Jag föredrar att rita byggnadens utsida med min egen hand, från den första pennlinjen till den sista centimetern av fasadens sista datormodell. Jag delegerar resten av arbetet till mina kollegor. Projektet och arbetsdokumentationen är utvecklade av externa formgivare, vi deltar i processen som en del av designerns övervakning.

Det första huset i St. Petersburg,

Bostadskomplex "renässans", målade jag enligt givna layouter. Naturligtvis förändrade designarna och justerade dem i processen, mina beslut förändrades också, men i slutändan bör det noteras att implementeringen ligger mycket nära den ursprungliga idén. Kundens installation påverkade också: ändra arkitekturen till sist, bygg som den ritas.

• 

  1/6 Utsikt från sydost till rotonden. Bostadsområde "Renaissance" © Liphart Architects

• 

  2/6 Renässansbostadskomplex Visualisering © Liphart Architects

• 

  3/6 Bostadskomplex "renässans" Foto © AAG

• 

  4/6 Projekt av bostadsområdet "Renaissance" på Dybenko street, St. Petersburg, sedan 2015Datorgrafik Under uppförande Kund: investerings- och byggande AAG © Stepan Lipgart

• 

  5/6 Utsikt från sydost, kvällsbelysning. Bostadskomplex "renässans" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / med tillstånd av Liphart Architects

• 

  6/6 Norr fasadvy, kvällsbelysning. Bostadskomplex "renässans" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / med tillstånd av Liphart Architects

När det gäller det så kallade "Lilla Frankrike" - vårt första hus i stadens historiska centrum - hade jag mer manöverfrihet: volymen och antalet våningar sattes, ett antal allmänna idéer med lägenhetformat, allt annat bestämdes på grundval av det yttre utseende jag hade uppfunnit. Designen av detta föremål sammanföll med mitt flytt till St. Petersburg, så det ritades med stor känsla, med ett slags neofytisk glöd, verk av Lidval och Klenze, som jag verkligen upptäckte själv då, hade stort inflytande på arkitektur.

• 

  1/7 RC "Little France". 20: e raden av Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  2/7 RC "Little France". 20: e raden av Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  3/7 RC "Little France". 20: e raden av Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  4/7 RC "Little France". 20: e raden av Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  5/7 RC "Little France". 20: e raden av Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  6/7 RC "Little France". 20: e raden av Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  7/7 RC "Little France". 20: e raden av Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

Ett antal Sankt Petersburg-projekt som vi för närvarande arbetar med i ett eller annat skede: bostadshus på Magnitogorskaya Street, Malokhtinsky Prospect, vid Black River-vallen - utformas på liknande sätt. Huset på den 12: e raden på Vasilievsky Island är mycket komplext i konfiguration, tätt, det ritades i sex månader. Kanske, de flesta ansträngningarna investerades i detta objekt, jag hoppas verkligen på det.

Tänkandet "gör som ritat" för designers uppstod eftersom kunderna var dina allierade. Känner kunderna skönheten?

Det verkar som om förmågan att se det vackra är en gåva som ges till alla från födseln.. Ibland verkar det som att i dagens Ryssland, som har lidit under det senaste århundradet, har majoriteten glömt hur man inte bara kan öka skönheten utan även skilja den från det fula. Ju mer underbart är mötet med ambitionen att skapa estetiken. Enligt min mening har både Alexander Zavyalov, ägaren till St. Petersburg-utvecklarföretaget, och Mikhail Kusnirovich en sådan ambition.

• 

  1/7 Utsikt över de administrativa byggnaderna från sydväst. Klädfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / tillhandahålls av Stepan Lipgart

• 

  2/7 Utsikt över den administrativa byggnaden från sydost. Klädfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / tillhandahålls av Stepan Lipgart

• 

  3/7 Trappa fram, fragment. Klädfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / tillhandahålls av Stepan Lipgart

• 

  4/7 Fragment av den västra fasaden av den administrativa byggnaden. Klädfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / tillhandahålls av Stepan Lipgart

• 

  5/7 Hall på 1: a våningen med Winter Garden_fragment. Klädfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / tillhandahålls av Stepan Lipgart

• 

  6/7 Allmän vy över stopppunkten från söder. Klädfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / tillhandahålls av Stepan Lipgart

• 

  7/7 Den södra fasaden av administrations- och rekreationsbyggnaden, fragment. Klädfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / tillhandahålls av Stepan Lipgart

Vidare börjar naturligtvis kundens smakpreferenser spela en roll och förändras, måste jag säga, över tiden från fullständigt sammanfall med mitt till fullständigt missförstånd. I de första projekten med Zavyalov, till exempel ordning, accepterades klassisk arkitektur med ett smäll, och vi pratade samma språk, men nu mer och mer ställs uppgiften enligt principen som är bekant från institutets år: "Gör mig som på det här fotot." Här uppstår frågan ofrivilligt, i vilken utsträckning är jag redo för en kompromiss. I allmänhet finns det en viss besvikelse i yrket efter de första åren av praktiskt arbete. Hittills har det riktigt viktiga och värdefulla vunnits i pappersprojekt, inte i genomförandet.

Pappersprojekt

För mer än två år sedan nämnde jag i en kommentar till archi.ru att det huvudsakliga ämnet som intresserar mig är de olösta motsättningarna som finns i den ryska kulturen och historien, som manifesterade sig särskilt starkt på 1930-talet. Maskinens kollision med det traditionella och konstgjorda. Linjen med heroisk Petersburgarkitektur, förkroppsligad både i art deco av Levinson och Trotsky, och i den dystra arkaiken av Belogrud och Bubyr, och ännu tidigare i generalstabens båge och monumentet till Peter. En linje av belastad impuls, övervinnande, förknippad med stadens natur, som har utsatts för våldsam europeisering flera gånger.

I dina verk förnekar inte beställningsarkitektur och teknik varandra utan tvärtom berikar varandra: art deco och reaktor, art deco och raket … Vilket pappersprojekt är dig kär och varför?

Serien "At the Reactor" är ett personligt engagemang, den förkroppsligar bilden av en atomreaktor som en kraft som värmer denna värld, men också hotar att förstöra den. Denna energi har en likhet med mänsklig passion. Stationen är som ett tempel, och temat för avgudning av bilen finns också här.

• 

  1/5-serien "At the Reactor" 2014 Datorgrafikpapperprojekt © Stepan Lipgart

• 

  2/5-serien "At the Reactor" 2014 Datorgrafikpapperprojekt © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Finlyandsky Railway Station 2014 Datorgrafik Pappersprojekt © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Projekt för förbättring och återuppbyggnad av Neskuchny Sad-parkens territorium. Scenen 2011-2012 Datorgrafik Ej implementerad Kund: Bosco-företagsgruppen © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Projekt för förbättring och återuppbyggnad av Neskuchnys trädgårdspark. Växthus 2011-2012 Datorgrafik Ej implementerad Kund: Bosco-företagsgruppen © Stepan Lipgart

Jag minns väl hur handlingen i arbetet som jag kallar "Arc de Triomphe" kom till. Dagen innan hade jag ett inspirerande samtal där samtalspartnern efterlyste ett bildmanifest, min idé om framtiden. Tydligen hittade han rätt ord, bilden föddes på en minut: en vågad raket, redo att bryta av i empirism, inramad av en gigantisk arkitektonisk form. Erövringen av yttre rymden, möjliggjort av ett teknologiskt genombrott, och dynamiska linjer som låter ihop med denna rörelse och bär stämpeln av meningsfull Art Deco.

På utställningen i Moskva fanns projekt av ganska estetiska art deco-villor. En villa är bilden av en privatperson. Vilken typ av person är detta, med vilka egenskaper?

Det är intressant att varje projekt är ett erbjudande för en specifik kund, men ingen av dem bestämde sig för att bygga sitt hus i sådana former. Det verkar som om Maxim Atayants gav en ganska korrekt beskrivning och noterade att det inte är privata hus utan utställningspaviljonger för att ställa ut kunden och hans vardag. Ja, kanske, den betonade representativiteten, monumentaliteten, arkitekturens högtidlighet innebär inte integritet, komfort, lugnt flöde av dagar. Bilden på detta hus utmanar invånaren, och han måste motsvara honom, först och främst estetiskt, men inte bara. Här kommer vi nära temat för den exceptionella personligheten, hjälten.

• 

  1/4 Projekt "Winged Villa" 2016 Datorgrafik Ej implementerad Privat kund © Stepan Lipgart

• 

  2/4 Projekt av villan "Acropolis Litorinum" 2015 Datorgrafik Leningradregionen, Vyborgsky-distriktet Ej implementerad Privatkund © Stepan Lipgart

• 

  3/4 Projekt "Villa ITR", 2011 Datorgrafik Moskva-regionen, Chekhovsky-distriktet Ej implementerad Privat kund © Stepan Lipgart

• 

  4/4 Villa-projekt "Pavillon Lecayet", 2015Datorgrafik Moskva-regionen. Ej implementerad Privat kund © Stepan Lipgart

Metafysik

Vad är skillnaden mellan ditt begrepp om en hjälte och en romantisk hjälte från 1800-talet, som går in i en kamp med ödet och motsätter sig folkmassan; från avantgardens superman och demiurge; från 1900-talets libertarian?

Jag minns att jag läste i Khan-Magomedov att Ivan Leonidov, som skapade sin "Solens stad", knappast kände till texten från Tommaso Campanella. Hans utopiska konstruktivism gav en bild av en ljus framtid, och plot av Sun City var i linje med hans känslor. Det är värt att omedelbart bestämma att mitt”konceptet om hjälten” inte heller har tillräckligt filosofiskt djup, bakom det finns inga långa texter, forskning, försök att testa mina egna gissningar empiriskt. Det viktigaste här är din egen intuition, upplevelsen av vissa känslor, upphöjelse. Och det mest framgångsrika sättet för den ökända sökandet efter hjälten är att observera den konstnärliga uppvisningen av mänsklig skönhet. Det mest uppenbara exemplet är ett porträtt av renässansen, upphöjande, förgyllande mänsklig natur. Men ännu närmare idealet finns de dukar där det himmelska ljuset kommer i konflikt med den mörka sidan av mänsklig natur. Det var ett friskt, starkt intryck för mig att se verk av Parmigianino och Bronzino leva, det finns ingen lätt fred i renässansens harmoni i dem, tvärtom, den genomträngande förkylningen av oklanderliga drag, den ömtåliga balansen mellan Apollonian och Dionysian, vilket antyder svar, djärvhet, själens arbete.

I Scriabins gudomliga symfoni skapar hjälte-demiurgen en värld ur ingenting. Konceptet Gudstridighet ger upphov till mycket vacker musik, men etiskt är det på gränsen. Din hjälte - vem är han?

Hjälten är mittsteget mellan en person med sina svagheter och laster och den högsta principen. Hjälten är inte en som mirakulöst är utrustad med gudomliga förmågor, utan som strävar med sin andas styrka, sin egen själ, till det högsta, idealet, både moraliskt och i betydelsen av fysisk skönhet.

Men en konstnär är en hjälte just nu när han skapar något. Manifestationen av skönhet i ett verk är alltid ett mirakel och våg. Återvänd till 1930-talet är både skaparna och deras bilder heroiska där. Arkitekter byggde och kompositörer skrev och riskerade deras liv. År 1938 satt Shostakovich varje natt i trapphuset i sitt hus med en resväska och väntade på att han skulle arresteras på grund av att hans vän, marskalk Tukhachevsky, hade skjutits. Shostakovich har jagats i tryck sedan början av 1930-talet. Men 1937 skrev han den 5: e symfonin, enligt vilken, enligt Pasternak, "han sa allt, och ingenting hände honom." Hjälten i den här musiken dör i kampen mot en helvete totalitär maskin

På 30-talet gjordes ett ultimat försök att uthärda det heroiska, demiurgiska i största möjliga utsträckning - det tredje riket. Ett försök att förändra, att snedvrida universell mänsklig moral, att skapa en ny person, ett nytt samhälle, en ny stad. Kulten av en hjälte som har fångat tiotals miljoner. Resultatet är monströst och ur etisk, humanistisk synvinkel är det inte berättigat. Man måste komma ihåg att linjen är riktigt tunn här.

Ja. Eftersom medlen är monströsa, och medlen är det viktigaste. Ja, det fanns ett monsterfullt mål

Är andra medel möjliga? Ta riddare - det är förknippat med våld och mord, och samtidigt, snygg, kommer alla ihåg de majestätiska murarna i medeltida slott och kulten av en vacker dam.

Jag håller inte med om att det heroiska konceptet är förknippat med våld, kanske med att konfrontera våld och att övervinna sig själv. Om vi förena livet med en vertikal dimension, talar vi om en hjälte som offrar sig själv för andra människor

Förresten främjades också offer i det nazistiska samhället. Som ett resultat finns det redan en uppfattning i det moderna Tyskland att strävan efter egenvärdig skönhet kan likställas med nazismen.

Det här är misstag. Konstnären skapar en form, det är en dominerande gest, i en mening totalitär, men konsten är ett område där hierarkin är till nytta. Postmodernismen försökte dekonstruera denna gest, och det konstnärliga resultatet är inte särskilt övertygande. Silveråldern balanserade på gränsen till konst och livsuppbyggnad. Han skapade skönhet men stannade kvar inom det konstnärliga området och gick inte längre (mer exakt, poeter och konstnärer experimenterade med alla möjliga obscena kulter, som vi vet från Alexander Benois memoarer, men detta var deras privata affär). Lenin är inte silveråldern

Men konstnärerna samlade dessa moln inför draman 1917 och kallade och hungrade efter dem. Vad är åska och blixtar? Detta är något okontrollerbart. Scriabin hade naturligtvis en annan uppfattning om utseendet på en ny man, det är uppenbart att han inte var kommissionär med en Mauser och inte ett brutalt attackflygplan. Leningrad-blockaden som förverkligande av de mest fruktansvärda drömmarna av silveråldern ligger i känslan av övermänsklighet och uppoffring, i dessa skymningsförkylningar som förkroppsligas i Belogrudov-husen. De hade redan en föranmälan av en förestående tragedi, en föranmälan av det arkaiska, som dykt upp i bilden av Stalin från de mörkaste djupen. När jag skärper temat ser jag bilden av hjälten i skulptörernas verk Josef Torak och Arno Brecker. Våldet där lutar definitivt mot den mörka naturen, men det är imponerande.

Likaså vågade många libertära artister från 1900-talet. Wright, Sullivan, Scriabin var Nietzscheans. Men de förstod Nietzsche på ett vulgärt sätt. Nietzsche, när han sa sin fras om Guds död, innebar att en person har upphört att vända sig till himlen, har upphört att kunna tacksägelse, att anpassa sina handlingar till Gud. Människor styrde den resulterande fria energin för att uppnå sina mål och uppnådde mycket. Men den fallna mänskliga naturen manifesterade sig i all sin härlighet

Fallen mänsklig natur manifesterar sig i full tillväxt idag. Det är synd att dessa skärmar inte har något konstnärligt värde.

Ja. Men folk förstod vissa saker. Världen har besegrat fascismen, och balansen bibehålls fortfarande, om än med svårigheter. Albert Schweitzer sa att man efter att ha uppfunnit atombomben, det vill säga bli supermakt, blev inte superintelligent. Kanske är hjälten en superintelligent person. Naturligtvis inte i betydelsen av försiktighet, utan tvärtom, i betydelsen av hänsynslöshet, förmågan till barmhärtighet, uppoffring. Helgon är ganska hjälte och superman. Vi har värden som vi inte vill förlora. Om vi pratar om arkitektur är en europeisk historisk stad ett värde, och arkitekturen på 1930-talet är en organisk del av den

Ja, men det fanns också en ny kvalitet i henne. När jag återvände till mitt parisiska intryck var besöket mycket kort och koncentrerat: på åtta timmar gick jag från Pantheon till Trocadero efter att ha lyckats besöka Louvren. Den stora staden förvånar med sin skala, rikedom av fasader gjorda av natursten, svep av vägar, magnifika stora palats, och ändå när jag kom ut till byggnaderna i Parisutställningen kunde jag inte låta bli att känna en annan dimension, en annan grad av betydelse, en bild av framtiden, som aldrig kom, eftersom människans destruktiva natur då rådde över den kreativa.