En utställning med grafik av huvudarkitekten i Moskva, Sergei Kuznetsov, öppnade igår på Moskvas multimedia konstmuseum. Den har över 120 verk i penna, bläck, tuschpenna och akvareller, skapade över 10 år sedan 2007. Många nya, mestadels akvareller - 2016 och 2017, inklusive de som gjorts speciellt för utställningen. Vi publicerar ett fragment av en konversation mellan utställningens kurator, konstkritikern Yekaterina Shalina och Sergei Kuznetsov. Den fullständiga versionen av intervjun kommer att publiceras i katalogen tillägnad utställningen”Sergei Kuznetsov. Personlig kontakt / Arkitekturgrafik (21.07 - 10.09). Förutom grafik och målning kommer den att innehålla berättelser om kända kulturpersoner, arkitekter, fotografer, journalister och konstnärer om deras uppfattning om olika städer i världen - från arkitektoniska upplevelser till smakupplevelser. Till bidragsgivarna hör Mikhail Shvydkoy, Sergei Tchoban, Dmitry Bertman, Alexey Tarkhanov, Mikhail Belov, Artemy Lebedev, Alexander Ponomarev, Alexey Naroditsky, Peter Kudryavtsev, Ekaterina Pronicheva, Sofya Trotsenko, Elena och Irina Kuznetsov. Släppdatum för boken och presentationen kommer att meddelas senare. ***
Ekaterina Shalina:
Utställning”Sergey Kuznetsov. Personlig kontakt / Arkitekturgrafik "i Multimedia Art Museum i Moskva samlade mer än 120 teckningar och akvareller. Olika tekniker, olika städer i världen, byggnader och utrymmen. Vad är huvudidén med detta projekt för författaren?
Sergey Kuznetsov:
- Denna utställning - tack för inbjudan att göra den och hjälpa till med genomförandet till Olga Sviblova, chef för MAMM, och hela hans underbara team - faktiskt en annan form av att säga att stadsmiljön och arkitekturen, som dess huvudsakliga del, har en mycket stark inverkan på det mänskliga medvetandet. Oavsett om han är medveten om detta eller inte. Detta är en berättelse om att staden är ett intressant fenomen som är vettigt att leva så inkluderande som möjligt. För mig är den mest naturliga och exakta metoden för denna "inkludering" att rita. Men det finns också andra sätt. Någon, som går ut i staden för att lära känna honom eller lära känna bättre, kollar med böcker och filmer, någon älskar bara att vandra utan en karta och upptäcka något nytt för sig själva, någon fotograferar eller spelar in sina känslor. Därför, tillsammans med min grafik, visades skärmar med videokollager från kultfilmer, som förmedlade atmosfären i flera vackra världscentra, där jag hade turen att besöka och rita upprepade gånger, i utställningen.
Förbereder du dig på något sätt för bekantskap med nya platser?
- Om jag åker till en stad som jag hade en vag idé om, försöker jag läsa något om det i förväg. Men den mest effektiva metoden är att ta en bra guide. I Buenos Aires valde vi till exempel den konstruktivistiska vägen. Det är svårt att göra det på egen hand - monumenten är utspridda i olika områden, och vi rådades av kunniga killar som genomför denna utflykt i en autentisk, utmärkt bevarad lastbil från 30-talet. Det visade sig vara en realtidsresa. Vi gick själva i centrum. Jag måste säga, Buenos Aires är väldigt europeisk i sin anda, det påminner Paris, bara allt är i stor utsträckning, amerikansk skala. Storartade vägar, mycket konstnärlig arkitektur i jugendstil och art deco, byggnader med ledad plast, de svarar, reagerar på varandra med torn, balkonger, dekor. Stadens omfattning och storhet beaktas, och på samma gång upplevs tyvärr att de bästa tiderna är i det förflutna. Om jag åker någonstans bara ett par dagar, försöker jag den första dagen gå så mycket som möjligt och se, längs vägen skisserar jag och kommer ihåg, fotograferar möjliga punkter för pleinluften. Och den andra dagen går jag ut i staden med en skissbok eller en surfplatta.
Finns det några föremål för teckning planerade före resan? Finns det något slags system, en princip för att välja en arkitektonisk natur?
- När vi precis började samarbeta med Sergei Tchoban och öppnade SPEECH-byrån 2006 blev praxis att gå ut i luften ett system. Först var det intressant för mig att skissa de berömda monumenten för världsarkitekturen - antiken, renässans, barock. Jag tror att de flesta arkitekter som målar har skisser för strukturerna i Forum Romanum eller Colosseum. En gång i Rom följde vi i fotspåren av ritningarna av Alexander Benois, som i början av 1900-talet upptäckte för sig själv, och ett sekel senare för oss, icke-trivial utsikt över Peterskyrkan. I Venedig vände jag mig också först till den legendariska naturen, som porträtterades av kända mästare mer än en gång - inte i syfte att tävla med dem, men för att träna min hand och blickar på mästerverk, för att förstå proportionerna, förhållandet detaljer och helheten. Sedan började han sin egen, påminner om en jakt, letade efter lite kända intressanta byggnader, punkter och vinklar. Jag älskar särskilt de venetianska bakgårdarna. Två steg från turistvägarna är folkmassorna borta och skönheten är densamma.
Från Venedig i det personliga arkivet de flesta av verken. Favoritstad?
- Venedig har en oemotståndlig "narkotisk" attraktion, och dess natur är inte helt tydlig för mig. Antingen är poängen att det finns vatten överallt eller att hela staden är fotgängare. Kanske är hemligheten med hans charm i någon genial oegentlighet, uppenbar till exempel i huvudbyggnaderna - katedralen i San Marco eller Dogepalatset. Hur deras skapare kom med en så bisarr kombination av former, färger, ornament, asymmetri och atektonik är förståligt för sinnet. Detta är en fantastisk konstgjord miljö där allt är konst: ikonisk arkitektur fylld med målningar av stora mästare och de vanligaste terrakottahusen skapade inte av arkitekter, utan av enkla hantverkare med utmärkt smak, vars namn vi oftast inte känner till. Och gondolier med sina vanor och låtar, och iögonfallande Murano-glasprodukter och attribut från en maskerad, till och med service på restauranger är en separat teaterföreställning. Jag kom först till Venedig för tio år sedan, firade min trettioårsdag och sedan dess har jag firat min födelsedag där nästan varje år. Att arbeta med projekt för fyra arkitektoniska biennaler stärkte bara min kärlek till denna stad. Det verkar som om allt gick upp och ner, men varje gång upptäcks något okänt.
Ark från Venedig visar tydligt hela utbudet av tekniker och material - från en enkel penna till akvareller. Vad avgör valet, vad och vad ska man dra på, för olika objekt? Hur kom utvecklingen från grafik till akvarell till?
- Själva naturen leder ofta till någon form av teknik. Till exempel domineras min bild av Venedig av vita hus med svarta patiner. En gång försökte jag måla dem med vitt på tonat papper. Tekniken i sig är inte en upptäckt av Amerika, men i det här fallet lyfter den effektivt fram de pittoreska striderna och förstörelsen som ger staden på vattnet sin oemotståndliga charm. Jag använder vanligtvis inte ett suddgummi eller något annat som kan korrigera ritningen. Den som drar ut i det fria vet hur mycket denna process beror på väder och ljus. Du försöker göra allt snabbt och grovhet dyker upp någonstans, något visar sig vara ofullkomligt, men det finns tekniker som kompenserar för detta genom att noggrant förmedla känslor, ögonblickets tillstånd. Och dessa inkluderar verkligen akvarell. Under de senaste tre åren har jag använt det främst, jag anser att det är en av de svåraste teknikerna, vars möjligheter är långt ifrån uttömda för mig. Vid något tillfälle ville jag komma bort från den "dokumentära", detaljerade bilden av arkitekturen och ge ut på papper snarare mina känslor från vad jag ser. Denna tendens har visat sig tidigare. Till exempel, taket på en pagod och en grind i Kyoto, ritade med en enkel penna, "flyger faktiskt inte" så otroligt, men jag ville förbättra den funktion som indikeras i riktig arkitektur, och på arket animerade den här överdriften. Akvarell uppfyller helt min uppfattning om världen. Till exempel, i verkligheten kanske det inte finns så långa sneda skuggor som förekommer i vissa kompositioner, men det är dessa skuggor som ger bilden dynamiken och energin i stadsmiljön som jag känner.
Skildrar arkitekter och konstnärer arkitektur annorlunda?
- Man kan argumentera för att ett analytiskt och arkeologiskt tillvägagångssätt ligger närmare arkitekter och en romantisk och känslomässig inställning till konstnärer. Att arkitekter ofta bygger former med linjer, skuggning och älskar monokrom, och konstnärer ägnar mer uppmärksamhet åt färgfläckar och ljusmiljö. Men det här är ingen regel som bekräftas av mitt arbete. Huvudskillnaden är att arkitekter, även i processen för spontan, fri dragning från naturen, får visuell information, som sedan på något sätt bryts i sin professionella verksamhet. I min praktik under mitt arbete på SPEECH, från "porträtteringen" av gotiska katedraler, föddes Aquatics Palace i Kazan med sina lansettstrukturer, om än av ett annat material - trä. San Marco-kupolerna påverkade den välvda formen på den centrala hallen i den ryska paviljongen i Venedigbiennalen 2012, när vi visade projekten i Skolkovos innovationsstad. Och principen om marmorens färglayout på väggarna i Santa Maria dei Miracoli låg till grund för beklädnaden av byggnaderna i "Nevskaya Ratusha". Det finns många andra exempel också.
Hjälper teckning arbetet med chefsarkitekten i Moskva, ger idéer som kan implementeras i en stadsplaneringsskala?
- Naturligtvis hjälper det. Om jag till exempel inte hade målat High Line Park i New York, lagt ut på spåren till en sluten lätt tunnelbana, skulle jag inte så mycket ha försvarat dess skapares Diller Scofidio + Renfros deltagande i design och konstruktion av Zaryadye Park. Detta territorium i New York är fantastiskt. Du är samtidigt omgiven av "vild" natur och staden. Inte en skog eller en stadspark utan något annat. Detta är en verkligt innovativ idé om landskapsurbanism, som jag hoppas kommer att genomföras helt i centrum av Moskva. När jag blev chefarkitekt minskade naturligtvis restiden, men jag började måla mer av Moskva. Jag hittade många platser för plein-airs på centrala gator och i körfält, på vallar och vid VDNKh, i industriområden och på byggarbetsplatser för föremål som byggs upp och rekonstrueras med mitt personliga deltagande - det här är Zaryadye-parken och Luzhniki-stadion. Genom att rita lär jag känna och förstå vår stad djupare. Det verkar för mig att om så önskas finns skönhet, ett objekt som är värd en bild, i något av dess områden. Och naturligtvis fortsätter jag att ta med mig pennor, penslar och färger på alla resor. Av de senaste var resan till Bukhara särskilt fruktbar - jag tog med många akvareller.
Vilket intryck gjorde Bukhara?
- Dubbel. Staden är inte liten, i centrum finns magnifika monument, i gott skick, men den är nästan tom, det finns få turister. Värmen - och jag var i maj - är hemsk, 38-40 ° C. Alla letar efter frälsning i skuggan. Och också på grund av temperaturen sker allt liv på gårdarna. Om du tittar uppifrån skärs hela staden i torg - hus med en våning vetter mot gatorna med tomma väggar, det finns ingen allmän front, du går som en labyrint och bara smala passager leder in, till privat territorium. Introvert stad. Hela dess arkitektur är konditionerad av klimatet. Ta till exempel portaler med nischer rikt dekorerade med keramik. Nischer skapar effekten av en tratt som får luften att svalna innan den går in i rummet. Färgerna är verkligen desamma som i Vereshchagins målningar - turkos, ockra, skarpa kontraster av ljus och skugga. Människor är vänliga, välkomnande, många bär nationella kläder, män bär skullcaps - ett mycket förnuftigt huvudbonad som skyddar mot överhettning. Många känner till tre språk vardera - tadzjikiska, uzbekiska och ryska, vilket indikerar en hög potential. Och samtidigt är det uppenbart att de lever i allmänhet dåligt, privata affärer är knappt utvecklade - på handeln med keramik och skalle, som säljs utan förpackning. Det finns ingen marknadsföring som sådan. Även om arkitektur, mat och samma keramik kan bli nationella varumärken, kan turismen utvecklas mer intensivt. Men den stränga kontrollen av allt från staten, som vi personligen stötte på i manifestationen av överdriven inspektion vid gränsen, begränsar uppenbarligen friheten för entreprenörskap.
Utställningen pågår till 10 september.
